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Simone Martini – Annunciazione (partic.)

Nella storia dell’arte occidentale classica le stoffe a quadretti nei dipinti di Santi, Madonne e di tutti gli altri soggetti ritratti non sono quasi mai presenti.

Le vesti sono in genere sempre di un unico colore.

Ebbene, Isabella Ducrot, pittrice, scrittrice, e studiosa dei tessuti, ha affrontato proprio questo tema.

Lei racconta che l’idea le venne quando rimase sorpresissima nel vedere l’Annunciazione di Simone Martini (vedi su).

Infatti lei notò un dettaglio imprevedibile in quella tavola del 1333.

L’angelo che sta portando la notizia alla Madonna ha il suo mantello, ancora svolazzante, a quadretti.

La studiosa quindi sì poese la domanda “Come mai nei dipinti non appaiono mai stoffe a quadri?”

Isabella Ducrot

Tuttavia ci sono alcune.. poche.. eccezioni.  

Eccone alcune.

Nel “Sant’Agostino nello studio” Botticelli dipinge una tovaglia a quadri.

 

In alcuni interni del Lorenzetti appaiono delle coperte a quadretti.

Tiziano fa indossare la sciarpa a quadri  nella sua “Cena in Emmaus” e così pure una stoffa a quadri tiene su i pantaloni del ceffo che sbeffeggia Cristo nella “Incoronazione di spine”.

Nel suo dipinto “Penelope e i proci” il Pinturicchio dipinge una coloratissima stoffa a quadri nella parte superiore dei pantaloni di uno dei Proci.

Come possiamo notare i quadretti appaiono sempre in stoffe che rappresentano persone o oggetti modesti o non importanti.

E’ molto probabile che per il costo delle stoffe i fili usati dai telai per le cose di tutti i giorni fossero di vari colori per cui le stoffe di un unico colore erano destinate alla nobiltà, al clero ed e ai ceti elevati.

Questo aspetto colpì anche lo studioso dei colori Michael Pastoreau, che si interessò però delle stoffe maculate o di colori misti.

Egli  sottolineava che queste stoffe erano sempre destinate nei dipinti a buffoni, giocolieri, al diavolo ed alle persone considerate odiose.

Spiegava che le tecniche medievali e rinascimentali per la creazione delle stoffe monocromatiche erano più difficili e quindi per questo più costose.

Nel tempo però, a  partire dalla fine del ‘700, cambiò del tutto la moda, soprattutto quella degli uomini col trionfo delle stoffe scozzesi,  e contemporaneamente iniziarono a diffondersi dipinti in cui erano presenti stoffe a quadri.

William Mosman

Il dipinto che possiamo ritenere che rappresenti il punto di svolta e definitivo di rivincita della stoffa a quadri è quello di Matisse che dipinge sua figlia (vedi qui giù). 

Da quel momento in poi non c’è stata più alcuna sostanziale differenza tra i colori delle stoffe nei dipinti.

Tony Kospan

Per chi desidera approfondire:

Il libro: Isabella Ducrot – La stoffa a quadri

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Trasfigurazione di Cristo (partic.)

Curioso il suo destino, 

nascere e morire di Venerdì Santo,

ma la sua fama è tutta dovuta

alla sua eccezionale e “divina” capacità 

di dipingere di cui diede prova fin da piccolo.

La Madonna della rosa

RAFFAELLO SANZIO

.

VITA E CAPOLAVORI DEL… PITTORE DIVINO

.

a cura di Tony Kospan

Urbino 28.3.1483 – Roma 6.4.1520

BREVE BIOGRAFIA

Rimasto orfano a soli 11 anni non si perse d’animo
ma iniziò a studiare le opere di grandi pittori

ed a 14 entrò nella bottega del Perugino

che fu il suo vero maestro
e cominciò ben presto anche a lavorare per dei committenti.

La speranza

Il suo più che significativo contributo alla realizzazione
di una Pala in onore di Nicola da Tolentino 

a Città di Castello
evidenziò subito le sue notevoli capacità

e fu l’inizio di una travolgente carriera artistica

che in pratica proseguì senza soste.

Sposalizio della Vergine

Innumerevoli e bellissime furono le opere che nei 3 periodi

in cui storicamente è divisa la sua vita umana ed artistica,

(Perugino, Fiorentino e Romano),
egli ci ha donato.

A Roma, quando era ormai all’apice della notorietà,
Leone X lo preferì ad altri mitici artisti come Michelangelo,
e lo nominò, alla morte del Bramante,
direttore della Fabbrica di San Pietro.

Trionfo di Galatea

Negli ultimi anni alternò quindi la passione per la pittura
con altri lavori come quelli di topografo e di architetto.

Dama con il liocorno (partic.)

Alla sua morte (a soli 37 anni) dopo 15 giorni di febbre,
causati, per alcuni, da eccessi amorosi, tutta Roma,
compreso il Papa, soffrì moltissimo per la perdita di colui
che veniva ritenuto il “Pittore Divino“.

Trasfigurazione di Cristo

Racconta il Vasari che, trovandosi nella camera in cui era morto 

una delle sue ultime opere… la mitica “Trasfigurazione“, 

“nel vedere il corpo morto e quella viva,
faceva scoppiare l’anima di dolore a ognuno che quivi guardava”.

La scuola di Atene

BREVE ANALISI DELLA SUA ARTE

Goethe così definisce la sua arte…

“Raffaello è sempre riuscito a fare quello

che gli altri immaginavano di fare”

Raffaello interpreta perfettamente
il sentire artistico della sua epoca 

ed esalta i valori civili ed umanistici
della cultura classica e della storia occidentale.

Madonna del Cardellino (partic.)

Egli non vive le sofferenze delle ricerche di Leonardo da Vinci 

né le turbolenze religiose di Michelangelo Buonarroti 

ma si caratterizza per una grande serenità interiore
e ed una celestiale visione della vita 

che lo portano
a creare opere che sono capolavori assoluti ed eterni.

Madonna della seggiola

Si può dire infine che Raffaello sia l’artista

che ha conquistato la vetta più alta
dell’assoluta bellezza nel campo della pittura.

Questo però, per gli studiosi di Storia dell’Arte,

era considerato un suo limite benché eccelso.

 (La storia del “particolare” più famoso della storia dell’arte)

I mitici Angeli (particolare della Madonna Sistina)

Tuttavia studi recenti hanno rivalutato

in pieno la sua arte sotto ogni punto di vista.

Sorprende, oltre alla sublime bellezza della sua arte

anche l’enorme quantità di opere

rispetto alla brevità della sua vita.

 (La storia del dipinto e “l’incontro” con Rembrandt)

Baldassarre Castiglione

F I N E

Fonti – Vari siti Web – Rielaborazione ed impaginazione T. K.

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Raffaello da giovane – Autoritratto

.

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A partire dal MANIFESTO DEL FUTURISMO,

approfondiremo la conoscenza di questa corrente,

unica corrente artistica tutta italiana,

tra le tante avanguardie internazionali del primo ‘900.

 

 

 

 

 

 

Come altre correnti, 

anche quella futurista, con le sue luci e le sue ombre,

investì tutti i campi dell’Arte come avremo modo

di vedere, di leggere e di ascoltare.

 

 

 

 

 

 

 

 

LA NASCITA DEL FUTURISMO

 IL MANIFESTO E LE IDEE GUIDA DELLA CORRENTE

a cura di Tony Kospan

Come accadeva a quasi tutte le altre correnti d’avanguardia degli inizi del ’900,

il Futurismo ha una data di nascita precisa, grazie al suo “manifesto”,

e un padre ufficiale, con tanto di nome e cognome, Filippo Tommaso Marinetti,

ed anche una culla, il giornale parigino LE FIGARO.

Filippo Tommaso Marinetti
(Alessandria d’Egitto 21/12/1876 – Bellagio 02/12/1944

 

Ma in realtà cosa annuncia questo manifesto?

Leggiamolo bene…

 

IL MANIFESTO DEL FUTURISMO

LE FIGARO DEL 20.2.1909

 

1-Noi vogliamo cantare l’amor del pericolo, l’abitudine all’energia e alla temerità.

2-Il coraggio, l’audacia, la ribellione, saranno elementi essenziali della nostra poesia.

3-La letteratura esaltò fino ad oggi l’immobilità penosa, l’estasi ed il sonno. Noi vogliamo esaltare il movimento aggressivo, l’insonnia febbrile, il passo di corsa, il salto mortale, lo schiaffo ed il pugno.

4-Noi affermiamo che la magnificenza del mondo si è arricchita di una bellezza nuova: la bellezza della velocità

5-Noi vogliamo inneggiare all’uomo che tiene il volante, la cui asta attraversa la Terra, lanciata a corsa, essa pure, sul circuito della sua orbita.

6-Bisogna che il poeta si prodighi con ardore, sfarzo e magnificenza, per aumentare l’entusiastico fervore degli elementi primordiali.

7-Non vi è più bellezza se non nella lotta. Nessuna opera che non abbia un carattere aggressivo può essere un capolavoro.

8-Noi siamo sul patrimonio estremo dei secoli! poiché abbiamo già creata l’eterna velocità onnipresente.

9-Noi vogliamo glorificare la guerra-sola igiene del mondo-il militarismo, il patriottismo, il gesto distruttore

10-Noi vogliamo distruggere i musei, le biblioteche, le accademie d’ogni specie e combattere contro il moralismo, il femminismo e contro ogni viltà opportunistica o utilitaria

11-Noi canteremo le locomotive dall’ampio petto, il volo scivolante degli areoplani. E’ dall’Italia che lanciamo questo manifesto di violenza travolgente e incendiaria col quale fondiamo oggi il Futurismo

 

 

Boccioni –  Visioni simultanee – 1912

 

 

 

IL PADRE DEL FUTURISMO

Filippo Tommaso Marinetti – L’uomo e le idee

 

Leggiamo ora, per inquadrar il momento socio-culturale della nascita della corrente e la sua principale idea ispiratrice, questo interessante passo trovato nel web sul suo fondatore:

 

 “Marinetti, nato ad Alessandria d’Egitto da genitori italiani, si forma alla luce della cultura francese di fine Ottocento. Nell’ultimo decennio del secolo è a Parigi, in contatto con il mondo della letteratura; amico di Gustave Kahn (uno dei primi proclamatori del verso libero), Moréas e Samain, tra i maggiori protagonisti di quel filone simbolista decadente, che in Francia resisterà fino all’inizio del Novecento. Nel 1886 Moréas aveva pubblicato il Manifesto del Simbolismo nel supplemento de Le Figaro, dove venivano spiegate le nuove finalità della poesia, che non doveva più essere descrittiva, ma «rivestire l’Idea di una forma sensibile… L’Idea non deve vedersi privata dei sontuosi paramenti delle analogie esteriori». Si cercava un allontanamento dal verismo dei Zola e dei Goncourt; tendenza questa che prevale in un folto gruppo di letterati della fine del secolo, da Huysmans a Mallarmé a Rimbaud, solo per citare i più famosi. Marinetti partecipa, invece, a quella tendenza del primo decennio del Novecento che avvia il simbolismo verso la sua dissoluzione alla ricerca di nuove espressioni; ma pur combattendo si appoggia ancora ai suoi valori. Nel Manifesto del Futurismo, il linguaggio è costellato di metafore, assonanze, immagini che evocano il piacere individuale della sensazione. è lo stesso stile che ritroviamo ancora in un altro testo di Marinetti, Uccidiamo il chiaro di luna dell’aprile 1909: «Noi insegniamo il tuffo nella morte tenebrosa sotto gli occhi bianchi e fissi dell’Ideale… E noi stessi daremo l’esempio abbandonandoci alla furibonda Sarta delle battaglie, che, dopo averci cucita addosso una bella divisa scarlatta, sgargiante al sole, ungerà di fiamme i nostri capelli spazzolati dai proiettili… Così appunto la calura di una sera estiva spalma i campi di uno scivolante fulgore di lucciole. Bisogna che gli uomini elettrizzino ogni giorno i loro nervi ad un orgoglio temerario!… Bisogna che gli uomini giuochino d’un tratto la loro vita, senza spiare i biscazzieri bari e senza controllare l’equilibrio delle roulettes, stando chini sui vasti tappeti verdi della guerra, covati dalla fortunosa lampada del sole. Bisogna — capite? — bisogna che l’anima lanci il corpo in fiamme, come un brulotto, contro il nemico, l’eterno nemico che si dovrebbe inventare se non esistesse!…». 

Il racconto, pubblicato nella rivista Poesia, diretta dallo stesso Marinetti, si snoda in una trama che, attraverso simbolismi e allegorie, viene a creare le basi della nuova poetica. Marinetti, nello slancio di liberazione dagli stilemi e dalle trasposizioni simboliste sulle quali si è lungamente formato ed educato negli anni dei suoi studi, ritorna a quel linguaggio come punto di partenza per fondare la nuova estetica della vita moderna e della macchina «adorata e considerata come simbolo, fonte e maestra della nuova sensibilità artistica». Già nel Manifesto de Le Figaro viene designato tutto ciò che rientra nella volontà di distruzione. Musei, biblioteche, «città venerate», accademie fanno da freno e ostacolano ogni nuova creazione o azione nata dalla «bellezza della velocità». Il passatismo, termine opposto a Futurismo, contro il quale inizia la sua battaglia Marinetti, rappresenta tutto quello che è stato prodotto dalla cultura tradizionale, accademica, del passato.”

(WEB – filosofico.net)

 Russolo, Carrà, Marinetti, Boccioni e Severini

 

Da quanto letto sopra possiamo dunque ricavar i seguenti aspetti che caratterizzano la corrente..

.

– l’amore del pericolo

– l’abitudine all’energia

– il culto per il coraggio e l’audacia

– l’ammirazione per la velocità

– la lotta contro il passato (“noi vogliamo distruggere i musei, le biblioteche, le accademie d’ogni specie“)

– l’esaltazione del movimento aggressivo (” l’insonnia febbrile, il passo di corsa, il salto mortale, lo schiaffo e il pugno“)

– la guerra (“sola igiene del mondo“).

 

 

 

Ecco come questi concetti erano espressi dallo stesso Marinetti:

«Chi pensa e si esprime con originalità, forza, vivacità, entusiasmo, chiarezza, semplicità, agilità e sintesi. Chi odia i ruderi, i musei, i cimiteri, le biblioteche, il culturismo, il professoralismo, l’accademismo, l’imitazione del passato, il purismo, le lungaggini e le meticolosità. Chi vuole svecchiare, rinvigorire e rallegrare l’arte italiana, liberandola dalle imitazioni del passato, dal tradizionalismo e dall’accademismo e incoraggiando tutte le creazioni audaci dei giovani».

 

Luigi Russolo – 1911

 

 

LE MOTIVAZIONI PROFONDE DELLA NASCITA DELLA CORRENTE

 

 

La decadente cultura del tardo ottocento, pesante, seriosa e lontana dai contemporanei fermenti sociali ed industriali creava la necessità di uno svecchiamento assoluto.

 

In verità questa motivazione è identica per tutte le altre avanguardie dell’epoca.

 

In particolare il futurismo si caratterizzò per l’esaltazione della vitalità, del movimento e della modernità, per l’anticipazione del futuro e per l’incessante ricerca di forme artistiche nuovissime ed originali.

 

Come dicevo su il Futurismo non si limitò alla pittura ma “invase” tutti i campi dell’arte dalla poesia alla musica… dalla scultura all’architettura etc.. e per ciascuna forma fu redatto un particolare “manifesto“.

 

 

 

Roberto Marcello Baldessari – Forme simultanee, circa 1915

 

 

Dunque per conoscerlo un po’ meglio dedicherò un post 

a ciascuna delle sue espressioni artistiche più importanti:

 

PITTURA,

SCULTURA,

ARCHITETTURA,

MUSICA,

POESIA

 

Tony Kospan

C O N T I N U A

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L’artista o il poeta possiedono una luce interna

 che trasforma gli oggetti per farne un mondo nuovo, sensibile, organizzato, 

un mondo vivo che è in sé segno infallibile della divinità. 

Matisse

Donna col cappello (partic.)

Lunga è stata la vita ed ampia e variegata l’attività artistica

di questo grande pittore, ma anche notevole scultore, francese.

BREVE BIOGRAFIA ARTISTICA

Durante un periodo di malattia mentre il giovane Matisse

frequenta corsi di diritto, la madre per distrarlo

gli regala una scatola con tutto quanto serviva per colorare,

e lui inizia a copiare delle opere ed a studiare tecniche di pittura.

La gioia di vivere – 1905

Grazie all’appoggio del pittore simbolista Gustave Moreau

presso il cui studio aveva iniziato ad operare

riesce ad iscriversi all’Ecole des Beaux Arts.

Già da giovane appare chiara la sua “ossessione” per il colore

e per dar ad esso evidenza nei primi tempi si accosta al puntinismo.

Nel 1896 “incontra” gli impressionisti ma ben presto

si dirige verso altre strade.

I suoi maggiori interessi sono chiaramente evidenziati

dal fatto che acquista opere di Cezanne, Van Gogh e Gauguin.

 Henri Matisse

(Le Cateau 31.12.1869 – Vence, Nizza 3.11.1954)

.

.

.

La sua ricerca lo porta quasi fatalmente verso il Fauvismo

che rappresenta la prima rottura con l’imperante impressionismo

e le sue opere iniziano ad avere colori sempre meno naturali

e forme senza tridimensionalità.

La vivacità dei colori e la gioia di vivere

del fauvismo mediterraneo è però molto diversa

da quello dei paesi nordici.

Il paravento moresco – 1923

Pur vivendo lontano dalla mondanità partecipa

a molte mostre con le sue opere, che, dopo un iniziale

scarso riscontro da parte di alcuni critici,

riscuotono pian piano sempre maggiori consensi.

Uno dei temi a lui cari fu la danza che dipinse.

in varie forme, più volte e che possiamo conoscere

cliccando qui giù.

 Matisse ed il tema della danza

La danza

Il giorno di Natale del 1908 scrive qualcosa

che ci fa comprendere il suo modo d’intendere l’arte:

“Ho lavorato per arricchire la mia intelligenza,
per soddisfare le differenti esigenze del mio spirito,
sforzando tutto il mio essere alla comprensione
delle diverse interpretazioni dell’arte plastica
date dagli antichi maestri e dai moderni“.

Anemoni in un vaso di terracotta – 1924

Conosce poi e diventa amico di Picasso

di cui però resterà sempre un rivale.

Nonostante sia considerato

uno dei maggiori esponenti del Fauvismo

tuttavia dopo un po’ Matisse se ne allontana

per ricercare nuovi personali equilibri stilistici.

Il suo successo lo porta a viaggiare per il mondo

ed in particolare si reca e dipinge

in Germania, Italia, Marocco, Russia e USA.

Dopo la 1° Guerra Mondiale,

forse anche per l’incontro con Renoir,

i suoi dipinti appaiono meno duri.

La stanza rossa – 1908

La sua ricerca pittorica continuerà per tutta la sua vita

attraversando nel corso degli anni diverse esperienze,

come quella vicina al Cubismo, arrivando,

con le sue ultime opere, a sfiorare l’Astrattismo.

Lezione di piano – 1923

Il colore per Matisse è… tutto

e il dipingere oltre che una passione ed una professione

è anche, e forse soprattutto, gioia

come racconta spesso lui stesso.

Ma ora lasciamo “parlare” alcune sue opere.

Natura morta rossa con magnolia

Donna accanto alla scacchiera – 1928



La tavola apparecchiata

Jazz

Tony Kospan

F I N E

Copyright Tony Kospan

IL GRUPPO DI CHI AMA L’ARTE

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L’omaggio dell’uomo semplice – 1288/1292 (Partic.)

Questo dipinto (L’omaggio dell’uomo semplice – 1288/1292) fa parte della serie degli episodi della vita di S. Francesco affrescati nella Basilica di Assisi.

L’importanza di questi affreschi nel mondo dell’arte italiana è paragonabile a quella della Divina Commedia nel campo della Lingua e della Letteratura.

Giotto ufficializza in pratica la grandezza del santo circa 60 anni dopo la sua scomparsa… e per farlo sceglie un luogo preciso… la piazza… che da sempre è il centro della vita pubblica delle città grandi e piccole.

Giotto (1267 – 1337) 

La piazza infatti fin dai tempi dell’antica Grecia (agorà) e dell’antica Roma (forum) è il 4° luogo dopo la casa, il luogo di lavoro e quello del culto in cui le persone svolgevano e svolgono una delle più importanti funzioni umane, quella politica, intesa però nel senso più ampio.

Infatti la piazza era, è e forse sarà, sempre il centro di diffusione delle notizie e delle idee, lo spazio in cui nascono le amicizie e gli amori o quello in cui si prendono le decisioni, o quello in cui i cittadini protestano (ancora oggi si dice “scendere in piazza”) anche se oggi conosciamo un altro genere di piazza che sembra stia prendendo il sopravvento, quella virtuale.

Ma torniamo al dipinto.

Mostra un uomo umilmente vestito che stende un abito, a mò di tappeto, dinanzi all’incedere del Santo in una piazza, che è quella di Assisi, nell’indifferenza dei presenti, elegantemente abbigliati.

La piazza che Giotto dipinge non è una piazza qualunque… ma quella di Assisi.

Egli la vuole rendere riconoscibile ed ecco sulla sinistra il palazzo civico con la sua torre, l’antico tempio di Minerva divenuto chiesa e per descriverla come tale vi aggiunge 2 angeli ed un frontone che in realtà non c’erano, ed un altro palazzo.

Il dipinto simboleggia l’abbandono da parte di S. Francesco del mondo dei ricchi per abbracciare quello degli umili e dei poveri che a loro volta ne riconoscono la grandezza umana e la santità rendendogli un profondo omaggio che è raffigurato dall’inchino e dalla veste appoggiata a terra.

Quest’opera inoltre è ritenuta la prima rappresentazione di una piazza nella Storia dell’Arte Italiana.

Tony Kospan

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di questo grande pittore, ma anche notevole scultore, francese.

BREVE BIOGRAFIA ARTISTICA

Durante un periodo di malattia mentre il giovane Matisse

frequenta corsi di diritto, la madre per distrarlo

gli regala una scatola con tutto quanto serviva per colorare,

e lui inizia a copiare delle opere ed a studiare tecniche di pittura.

La gioia di vivere – 1905

Grazie all’appoggio del pittore simbolista Gustave Moreau

presso il cui studio aveva iniziato ad operare

riesce ad iscriversi all’Ecole des Beaux Arts.

Già da giovane appare chiara la sua “ossessione” per il colore

e per dar ad esso evidenza nei primi tempi si accosta al puntinismo.

Nel 1896 “incontra” gli impressionisti ma ben presto

si dirige verso altre strade.

I suoi maggiori interessi sono chiaramente evidenziati

dal fatto che acquista opere di Cezanne, Van Gogh e Gauguin.

 Henri Matisse

(Le Cateau 31.12.1869 – Vence, Nizza 3.11.1954)

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La sua ricerca lo porta quasi fatalmente verso il Fauvismo

che rappresenta la prima rottura con l’imperante impressionismo

e le sue opere iniziano ad avere colori sempre meno naturali

e forme senza tridimensionalità.

La vivacità dei colori e la gioia di vivere

del fauvismo mediterraneo è però molto diversa

da quello dei paesi nordici.

Il paravento moresco – 1923

Pur vivendo lontano dalla mondanità partecipa

a molte mostre con le sue opere, che, dopo un iniziale

scarso riscontro da parte di alcuni critici,

riscuotono pian piano sempre maggiori consensi.

Uno dei temi a lui cari fu la danza che dipinse.

in varie forme, più volte e che possiamo conoscere

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 Matisse ed il tema della danza

La danza

Il giorno di Natale del 1908 scrive qualcosa

che ci fa comprendere il suo modo d’intendere l’arte:

“Ho lavorato per arricchire la mia intelligenza,
per soddisfare le differenti esigenze del mio spirito,
sforzando tutto il mio essere alla comprensione
delle diverse interpretazioni dell’arte plastica
date dagli antichi maestri e dai moderni“.

Anemoni in un vaso di terracotta – 1924

Conosce poi e diventa amico di Picasso

di cui però resterà sempre un rivale.

Nonostante sia considerato

uno dei maggiori esponenti del Fauvismo

tuttavia dopo un po’ Matisse se ne allontana

per ricercare nuovi personali equilibri stilistici.

Il suo successo lo porta a viaggiare per il mondo

ed in particolare si reca e dipinge

in Germania, Italia, Marocco, Russia e USA.

Dopo la 1° Guerra Mondiale,

forse anche per l’incontro con Renoir,

i suoi dipinti appaiono meno duri.

La stanza rossa – 1908

La sua ricerca pittorica continuerà per tutta la sua vita

attraversando nel corso degli anni diverse esperienze,

come quella vicina al Cubismo, arrivando,

con le sue ultime opere, a sfiorare l’Astrattismo.

Lezione di piano – 1923

Il colore per Matisse è… tutto

e il dipingere oltre che una passione ed una professione

è anche, e forse soprattutto, gioia

come racconta spesso lui stesso.

Ma ora lasciamo “parlare” alcune sue opere.

Natura morta rossa con magnolia

Donna accanto alla scacchiera – 1928



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Un mitico dipinto, molto chiaro, perfino semplice… ma che tuttavia, secondo lo stile dell’epoca, nasconde tanti simboli ed il mistero del suo significato.  “Osserviamolo attentamente e…  da… vicino”.           L’ENIGMA DELLA PRIMAVERA DEL BOTTICELLI a cura di Tony Kospan     STORIA DEL DIPINTO     Raramente un dipinto che ha un oggetto così chiaro…, come questo…, nasconde invece tanti segreti interpretativi…     Commissionata al pittore fiorentino intorno al 1478, “La Primavera” è il più celebre dipinto mitologico del Quattrocento, ed è anche una delle creazioni più belle e più misteriose del Rinascimento.     Ancor oggi, nonostante i tantissimi studi da parte dei più grandi esperti d’arte, ci sfuggono sia la genesi precisa che tutti i suoi veri significati     Nel 1498, pochi anni dopo la sua realizzazione, adornava il letto del giovane Lorenzo di Piefrancesco de’ Medici, nipote del Magnifico.     Sessant’anni più tardi, avendola vista nella villa medicea di Castello, Giorgio Vasari ce ne parla in un passo del suo celebre “Le Vite” ed in pratica ci consegna il titolo dell’opera “… un’altra Venere, che le Grazie la fioriscono, dinotando la Primavera: le quali da lui (Botticelli) con grazia si veggono espresse“.         AMBIENTAZIONE E PERSONAGGI RAPPRESENTATI     Nell’opera sono rappresentati 9 personaggi posti in un boschetto ombroso, che si presentano allineati su un prato tappezzato da decine di fiori di vario genere.         L’ambientazione ricorda gli arazzi fiamminghi, noti come “millefiori“, all’epoca molto diffusi nelle case aristocratiche fiorentine.   L’identità delle nove figure sembra però ormai definitivamente accertata.     Venere      Al centro della composizione c’è Venere (per altri potrebbe essere invece Giunone per la sua posa serena).         Accanto a lei le tre Grazie: Talia la prosperità, Eufrosine la gioia e Aglaia lo splendore            Sia la dea che le altre figure femminili  appaiono chiaramente incinte.        Sulla destra c’è Zefiro, la ninfa Cloris che si trasforma in Flora dalla splendida veste bianca decorata di corolle.     Cupido     In alto poi c’è Cupido     Mercurio      e sull’estrema sinistra Mercurio.     LETTURA DEL DIPINTO   Va fatta, contrariamente al solito, da destra verso sinistra.     Zefiro Cloris e Flora (da dx verso sin)     Zefiro, vento primaverile agguanta la ninfa Cloris che poi si trasforma in Flora… dea della Primavera… e dei fiori.        Flora     Flora, pur non essendo il personaggio centrale, spicca però per la sua bellezza… e dà anche il nome al dipinto.           Accanto a Flora, al centro dipinto, la dea Venere (o Giunone) con un atteggiamento sereno saluta con la mano le tre Grazie che danzano in cerchio un ballo dell’epoca coperte solo di veli trasparenti. . Dall’alto Cupido alato scocca uno strale infuocato, mentre Mercurio, assorto, volgendo le spalle agli altri personaggi, tocca (indica? disperde?) le nuvole col caduceo (bastone con due serpenti attorcigliati intorno a esso).  I DUBBI      L’aver individuato tutti i soggetti presenti non ha tuttavia risolto la spiegazione del senso complessivo del dipinto ed infatti si è molto discusso sui seguenti punti:    – Qual è il vero significato dell’opera e cosa accomuna le nove figure?  – Perché la dea e le altre figure femminili sono tutte incinte?            ALCUNE TRA LE SPIEGAZIONI PIU’ ACCREDITATE     Il primo che tentò di risolvere il problema fu lo studioso tedesco Aby Warburg che ipotizzò anche un titolo più preciso per il dipinto “Regno di Venere”. Questo perché appaiono riunite figure mitologiche che generalmente sono associate alla dea, la quale è anche la divinità della primavera.    L’inglese Charles Dempsey, invece, ritenne che il quadro fosse la raffigurazione non solo della stagione primaverile, ma anche dei tre mesi di cui essa è composta: il mese dei venti, marzo, sarebbe simboleggiato da Zefiro-Cloris-Flora; Venere, Cupido e le Grazie alluderebbero ad aprile, il mese dell’amore; mentre Mercurio rappresenterebbe maggio, dato che il nome di tale mese derivò anticamente da quello di Maia, madre di Mercurio.    Altri studiosi hanno cercato figure storiche nascoste sotto i panni mitologici e così sono stati fatti i nomi di dame fiorentine per Flora e le tre Grazie.    Altri ancora hanno ipotizzato spiegazioni di tipo filosofico.    Il critico d’arte tedesco Erwin Panofsky, per esempio, ricordando i diversi tipi di Amore e le relative Veneri del Neoplatonismo, ha contrapposto la Venere celeste raffigurata nella “Nascita di Venere” – altro capolavoro del Botticelli – alla Venere terrena de “La Primavera”.    Lo storico dell’arte austriaco Ernst Gombrich, invece, ha interpretato il quadro come la raffigurazione della Venus-Humanitas, figura che il filosofo Marsilio Ficino raccomandava come guida spirituale in una lettera al giovane Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, probabile destinatario del quadro.    “La Primavera”, dunque, è la visualizzazione di un dogma filosofico?    E’ la rappresentazione di un ideale paradiso umanistico, immerso nella natura e abitato da un’umanità eternamente giovane e bella?    E’ la raffigurazione di un complesso messaggio simbolico?    Oppure rappresenta semplicemente – secondo un’opinione oggi poco seguita – una mascherata di giovani fiorentini in una festa dell’epoca?    Il mistero intorno a questo straordinario dipinto è ancora fitto.     UNA PERSONALE INTERPRETAZIONE     Botticelli      Riguardandolo ora di nuovo tutto insieme, a mio parere, il dipinto appare in modo evidente un inno al sorgere ed all’affermarsi della Primavera come quella bella stagione che, rompendo le rigidità e le oscurità invernali con il sorgere dei fiori e la rinascita della natura, prepara il trionfo dell’estate.             Nel rappresentar ciò il Botticelli utilizza i simboli della mitologia classica e, a conferma della mia interpretazione, attraverso l’immagine delle donne incinte egli esalta la primavera quale momento di “gestazione della natura” che darà presto tutti i suoi frutti… al sole dell’estate.      TONY KOSPAN   FONTI: VARI SITI WEB     IL GRUPPO DI CHI AMA VIVER L’ARTE… INSIEME   . . .

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Las meninas

DIEGO VELAZQUEZ

IL PIU’ GRANDE PITTORE SPAGNOLO DEL ‘600

BREVE BIOGRAFIA

Nato in una buona famiglia ebbe un’ottima istruzione

ma ben presto mostrò passione per la pittura

per cui già da ragazzo iniziò a frequentare la “bottega”

del  pittore Francisco de Herrera che gli insegnò le tecniche di base.

A 12 anni passò alla scuola di un altro pittore, Francisco Pacheco,

artista ed insegnante di Siviglia la cui pittura era di un semplice realismo,

ma che fu capace di fargli conoscere l’uso delle proporzioni e delle prospettive

e gli consentì di frequentare gli ambienti artistici della città.

Diego Velazquez

(Siviglia 6.6.1599 – Madrid 6.8.1660)

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Ben presto divenne noto per le sue notevoli capacità tecniche

per cui poco più che ventenne (1622-1623) il Conte Duca di Olivares,

suo ammiratore, gli diede l’incarico di pittore di camera.

La Regina Isabella (Part.)

Divenuto ben presto Pittore di Corte

nel 1629 fece un viaggio in Italia (finanziato dal Re di Spagna)

percorrendola dal nord al sud fino a Napoli

per approfondire la conoscenza e lo studio dell’arte italiana.

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Festa di Bacco

Tornò poi una seconda volta in Italia nel 1649 e vi restò fino al 1651

incontrando tra l’altro a Napoli il suo amico e collega Ribera.

La critica d’arte, nell’analisi delle sue opere,

divide (anche se a grandi linee) 

la sua produzione pittorica in 3 periodi… 

I – Prima del primo viaggio in Italia…

II – Dopo il primo viaggio in Italia e

III – Dopo il secondo viaggio

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Contadini a tavola

Rientrato in Spagna dopo poco tempo fu nominato dal Re

Gran Maresciallo di Palazzo 

cosa che, seppur lo distolse un po’ dalla pittura,

non gli fece perdere certo né la sua passione né la sua bravura

ed anzi creò proprio in questo periodo molte delle sue opere più belle.

Cristo nella casa di Marta e Maria

Il prestigioso incarico e la sua notorietà gli fece però subire gli effetti negativi

del rigidissimo formalismo e del severo puritanesimo della Corte spagnola

fino al punto che neppure l’appoggio del Re poté aiutarlo in certi frangenti.

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Le tessitrici

Tra l’altro fu sottoposto a ben 3 anni di indagini per accertare

la purezza del suo sangue e se aveva fatto commercio di dipinti (!)

per ottenere la conferma dell’onorificenza della Croce Rossa dell’Ordine di Santiago.

Venere e Cupido

Riuscì nel corso della sua vita artistica a dipingere (ed a fatica) 

un solo ritratto di nudo Venere e Cupido (1644-1648 qui su)

e questo gli riuscì solo perché era sotto l’ala protettrice del re.

Autoritratto

BREVE ANALISI DELLA SUA ARTE

Possiamo ritenere, a grandi linee, che il successo delle sue opere

sia stato dovuto ad una certa (anche se vaga) vicinanza allo stile del Caravaggio

ma soprattutto alla sua appassionata ricerca estetica

con un continuo tentativo di armonizzare linee e colori

nonché alla sua capacità di render con precisione distanze e prospettive.

L’infante Baltazar Carlos ed il suo pony

Infatti il Velazquez risente sì della lezione caravaggesca,

ma poi miscela il suo realismo con l’armonia delle parti cromatiche.

Benché poi sia stato anche ammiratore dei grandi pittori veneziani

il suo stile, avvolto in una calda atmosfera barocca,

appare a tutti sempre e comunque indipendente e originale.

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IL SUO CAPOLAVORO – LAS MENINAS

LAS MENINAS

 

 

 

 

Il suo massimo capolavoro è “Las Meninas”, del 1656.

Il titolo dell’opera nasce dalla parola portoghese «menina»,

e vuol quindi significare «damigelle d’onore».

In verità il dipinto, che apparentemente doveva privilegiare

la figlia maggiore della regina,

ritrae invece tutta la famiglia del re di Spagna, e cioè

Filippo IV e sua moglie Marianna d’Austria (nello specchio)

dame e personaggi di corte, 2 nani con un cane ai loro piedi

e… lo stesso Velazquez mentre dipinge.

 

L’originalità e la genialità del quadro è nel totale ribaltamento

di ciò che vediamo in un normale dipinto.

Cioè qui l’immagine della scena è vista non con con l’occhio del pittore

bensì con quello di chi è dipinto e cioè dei sovrani in posa (nello specchio).

 

 

 

 

 

 

 

VELAZQUEZ E GLI ARTISTI DEL ‘900

Papa Innocenzo X (dipinto poi rivisitato da Bacon) 

 

 

 Picasso, Dalì e Francis Bacon sono tra i principali artisti del ‘900

che l’hanno molto apprezzato e che hanno rivisitato o si sono ispirati

a diverse sue note opere

 

 

 

 

F I N E 

IL GRUPPO DEGLI ARTISTI E DI CHI AMA L’ARTE

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La cucitrice – National Gallery of Art – Washington D.C.

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Convito di Ester e Assuero

 

 

 

 

Pittore, architetto, scrittore, ma anche scenografo, decoratore, costruttore di apparati effimeri per i carnevali, matrimoni, etc. il versatile aretino però è stato, e resta, soprattutto una miniera di informazioni storiche, tecniche ed artistiche sul mondo dell’arte rinascimentale oltre che l’inventore del linguaggio dell’arte.

Possiamo dire in poche parole che dopo di lui l’Arte, soprattutto come conoscenza, analisi e storia, non fu più la stessa.

Cercheremo di analizzare, in breve come sempre, la sua figura e le sue opere.

 

 

 

 

(Arezzo 30.7.1511 – Firenze 27.6.1574)

 

 

GIORGIO VASARI

PENNELLO E… PENNA…

a cura di Tony Kospan

 

 

 

 

 

Vasari dipinge – Casa di Arezzo

BREVE BIOGRAFIA

 

 

Iniziò giovanissimo a frequentare la bottega d’arte di Guglielmo di Marcillat dove incontrò Rosso Fiorentino che ebbe poi grande influenza nelle sue opere.

A soli 13 anni si trasferisce a Firenze, massimo centro culturale ed artistico dell’epoca, dove conobbe diversi grandi artisti tra cui Michelangelo e Andrea del Sarto che completarono la sua formazione artistica.

 

 

San Giorgio e il Drago

 

 

Qui strinse un sodalizio artistico con il quasi coetaneo Del Salviati Cecchino insieme al quale affrescò, per il cardinale Salviati a Palazzo Salviati, “La vita di Giovanni il Battista” che portò fama soprattutto al Cecchino e col quale fece un viaggio per ammirare opere d’arte in varie città d’Italia tra cui Roma, Napoli e Bologna, ma nelle quali operò anche.

 

 

I sei poeti toscani

 

 

Il centro principale della sua attività però restò Firenze dove fondò l’Accademia delle arti e del disegno, insieme ad altri artisti, e dove conobbe Cosimo I dei Medici che gli commissionò delle opere architettoniche e, dal 1560 in poi, fu incaricato della Costruzione del Palazzo degli Uffizi, della ristrutturazione di Palazzo Vecchio e del Palazzo degli Anziani di Pisa.

 

 

La nascita di Venere

 

 

Sue caratteristiche sono in primis il piacere di lavorare in compagnia di altri artisti, al punto che da alcuni è anche stato definito una specie di talent scout, ed un’altra, come dirà egli stesso, è la sua grande celerità nel dipingere.

In tutto il corso della sua vita alternò la creazione di opere d’arte con quella di “opere effimere”.

Cioè curava anche l’organizzazione e le scenografie per matrimoni nobiliari, per manifestazioni teatrali, carnevalesche etc..

Morì nel 1574 a Firenze.

 

 

 

 

LO STILE DEL VASARI PITTORE

 

 

Caino e Abele – Dipinto a Napoli

 

Può essere considerato fra i maggiori manieristi tosco-romani ma possiamo forse meglio definire il suo stile come una combinazione tra il manierismo, le visioni michelangiolesche e la vivacità dei colori di Rosso Fiorentino.

Il Manierismo è la corrente artistica che si distinse per la ricerca di uno stile fatto di eleganza, armonia e sicurezza che ebbe vita dal 1525 fino al 1563 anche se il termine fu usato dal Vasari principalmente per descrivere il virtuosismo del pittore.

 

 

 

La fucina di Vulcano

 

 

In effetti la pittura vasariana è incredibilmente precisa e ricchissima di particolari, anche minimi, come possiamo accorgerci esaminando ad es. capelli, mani, occhi, vesti, oggetti etc…, ed i colori sono sempre vivaci,vari e stupendamente applicati.

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Sala di Cosimo il Vecchio – Palazzo Vecchio – Firenze

 

Tuttavia la sua pittura, pur elegantissima, appare non manifestare quel pathos, quel calore, che caratterizza le opere dei grandissimi del Rinascimento.

 

 

 

 

“LE VITE”

E LA NASCITA DELLA STORIA DELL’ARTE

 

 

 

 

 

 

Come si diceva all’inizio, pur essendo stato un valente (ma non geniale) pittore, architetto e non solo, tuttavia la sua fama principale oggi gli viene dalla sua opera letteraria che rappresenta una vera e propria pietra miliare nel campo della storiografia e del linguaggio nel campo dell’Arte.

 

Eppure il Vasari, in una lettera ad un amico, si lamentava di non esser così bravo con la penna come col pennello!!!!

 

 

 

Allegoria della giustizia

 

 

 

Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori, da Cimabue insino a’ tempi nostri è il titolo originale dell’opera che ebbe 2 edizioni, la prima nel 1550 e la seconda nel 1568, ma che per brevità ormai è da tutti chiamata “Le vite“.

 

L’opera contiene oltre 160 biografie di artisti ed è quindi un’opera che possiamo definire “monumentale” e la sua importanza è immensa al di là della condivisione o meno di diversi suoi giudizi sugli artisti di cui scrive ed altresì al di là di diversi errori.

 

Inizia, proprio grazie a “Le vite”, l’interesse per le biografie degli artisti, per la critica e l’analisi delle opere, per le conoscenze delle tecniche pittoriche e per la storia delle “scuole” dal duecento in poi.

Infine appare evidente la consapevolezza, in lui, di tutto quello che il suo secolo rappresentava per l’evoluzione dell’Arte mondiale dato che proprio a lui si deve la creazione del termine “Rinascita“.

 

 

 

Battaglia di Marciano

 

 

Ne “Le vite” il Vasari parla anche di se stesso come “Novello Giotto“ e racconta, in alcuni casi con dovizia di particolari (come per il periodo napoletano), ed in altri con strategici silenzi o strategiche amplificazioni la sua vita e le sue opere…

 

Il testo, a dire il vero, contiene anche diversi e marchiani errori in quanto il Vasari prendeva per buone anche le dicerie e le leggende createsi intorno alle vite degli artisti vissuti nei secoli precedenti ma tuttavia queste inesattezze, che per lungo tempo hanno inficiato l’attendibilità dell’opera, non possono danneggiarne nè l’impianto complessivo nè la precisione e la cura dei “suoi” giudizi estetici e critici come concordemente oggi la critica ha finalmente riconosciuto.

 

 

 

 

 

 

In ogni caso non possiamo sottacere 2 importanti aspetti:

 

1 – che le vite degli artisti temporalmente a lui più vicini appaiono abbastanza corrette e precise…

 

2 – che alla sua epoca non c’erano certo i moderni strumenti tecnologici che avrebbero potuto consentirgli più precise ricerche ed analisi scientifiche.

 

Pertanto, in considerazione dell’assoluta innovazione rispetto al preesistente “vuoto” (o quanto meno “grande dispersione“) di conoscenze nel mondo dell’arte, al Vasari ed alle sue “VITE” va riconosciuto un merito davvero incommensurabile…

 

Tony Kospan

 

 

Copyright Tony Kospan – Tutti i diritti riservati

 

 

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Casa Vasari – Storie di Zeus

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Dopo aver accennato al paesaggio nella pittura del Seicento

e del Settecento ora passeremo ad osservare come esso si presenta

nella pittura romantica (e realista) e poi in quella impressionista 

per concludere con i capolavori di quello che possiamo definire

il  vero principe della pittura “en plein air“, Claude Monet.

 

 

Monet

 

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 L’EVOLUZIONE DEL PAESAGGIO

 

 

 

II PARTE

 

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Romanticismi e Realismi

 

 

 

La pittura romantica del paesaggio, con pittori come il famoso Turner, Constable e Friedrich così come pure quella realistica di autori di varie nazioni ed in particolare della Hudson River School, si pone come punto di passaggio dalle precedenti esperienze a quelle successive dell’impressionismo.

 

 

 

 

 

Joseph Mallord William Turner – Il castello di Arundel

 Joseph Mallord William Turner – Sole nascente nella foschia

 

John Constable – Il mulino di Flatford

 

 

 

 

 

 Caspar David Friedrich – Mare al chiaro di luna

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

L’Impressionismo ed il paesaggio

 

 

 

 

Gauguin – Paesaggio con 2 donne bretoni

 

 

 

 

La rivoluzione tecnica e stilistica impressionistica, enormemente osteggiata agli inizi, è caratterizzata dalla necessità di esprimersi da parte degli artisti senza compromessi e senza rigidità.

Dunque anche il paesaggio è da loro visto con molta semplicità e grande libertà espressiva.
Esemplari in tal senso le opere di Pissarro, Sisley, Van Gogh, Degas, Renoir, Gauguin e Cézanne.

 

 

 

 

 

Van Gogh – Campi di grano in un paesaggio collinare – 1889

 

 

Van Gogh – Orti a Montmartre

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Camille Pissarro – Route d’Ennery pres de Pontoise – 1874

 

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Alfred Sisley – Ponte di Villeneuve la Garenne 

 

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Renoir – L’estaque – 1882

 

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Monet e la natura nuova

 

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Monet – Regata ad Argenteuil

 

 

 

Con lui si ha un vero e proprio rovesciamento dei concetti della pittura paesaggistica che non è più natura dipinta… ma diventa espressione dell’esperienza interiore.

 

 

 

 

Monet – Il sentiero nella foresta di Fontainebleau

 

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 Monet – La gazza

 

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  Monet – San Giorgio

 

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 Monet – La casa del pescatore a Varengeville

Monet – Passeggiata sulla scogliera

 

 

 

 

 

F I N E

 

 

 

 

N.B.  E’ chiaro che, essendo impossibile presentare tutti i dipinti dedicati al paesaggio nei secoli, quelli presenti nel post sono soltanto alcuni esempi che possiamo definire significativi… delle varie tendenze susseguitesi nel tempo. 

 

 

Chi volesse legger la I parte del post

 

 

 

  

 

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(PITTURA, SCULTURA, FOTOGRAFIA E CINEMA)

Monet – Ninfee