La giovane Susannah Benjamin, studentessa al 2° anno a Yale,
ha vinto questo premio per le oltre 1,6 milioni di visualizzazioni web
ottenute grazie all’originalità ed al fascino delle sue foto.
Ma chi è, e che tipo è,
questa giovane considerata un vero talento dell’arte fotografica moderna?
Conosciamola un po’ attraverso questa sua dichiarazione
riguardo all’amore per la fotografia e vedendo alcune sue artistiche foto.
.
.
.
Susannah Benjamin
.
.
“Sono Susannah, 18 anni e matricola all’Università di Yale.
Mi piace raccontare storie e creare arte; questo fa proprio parte di me ed è quel che voglio fare nella mia vita.
,
Ogni volta che un amico si avvicina sono spinta a fare un servizio fotografico.
La fotografia deve per me esser sorprendente nel senso che amo miscelare tutte le mie cose infantili preferite: come giocare fingere, vestirsi in cose folli, parlare, ridere, inventare, etc.
Sebbene molti fotografi adolescenti sono presi dalla mania di diventare i classici fotografi di moda, io non credo nella sola bellezza per la bellezza.
Voglio separare storie e concetti, perché voglio comunicare messaggi ed emozioni attraverso il mio lavoro (cerco sempre di trasmettere il mio pensiero sennò non mi sento soddisfatta come artista).
Io uso la fotografia e la scrittura come mezzi per esternare tutto quello che mi passa nella mia testa.
Il mio lavoro esplora temi della mia crescita, della mia adolescenza, dell’immagine di me.. etc.
La creazione di un servizio fotografico è così snervante, impegnativa ed emozionante che alla fine sono esausta.
I miei amici dicono d’aver piacere a posare per me quando qualche volta faccio su di loro un servizio fotografico ed io sono davvero contenta ed essi dicono di vedermi in estasi.
Cerco ispirazione nella mitologia e nella letteratura e cerco di conoscere sempre nuove storie in qualsiasi modo o forma.”
Uno di questo è il fotografo di cui ora vi parlerò che,
insieme a diversi altri,
ha scelto un genere davvero inconsueto.
.
.
.
Infatti ora conosceremo il fotografo tedesco
diventato famoso
soprattutto per l’idea, davvero molto originale,
di ritrarre i visitatori dei musei
intenti a contemplare opere d’arte.
THOMAS STRUTH
IL FOTOGRAFO DEI… VISITATORI DEI MUSEI
Thomas Struth (nato nel 1954)
Rielaborazione libera di un articolo di LAURA LARCAN
da parte di Tony Kospan
I più importanti musei del mondo sono la sua riserva naturale di caccia.
Si diverte a nascondersi tra la folla di visitatori e a osservare le dinamiche schizofreniche di un mondo umano in balia del fascino dei capolavori dell’arte.
Per poi immortalare i comportamenti di questi piccoli grandi fruitori della cultura di massa.
Ed elaborando un ritratto sociologico dello spirito contemporaneo.
E’ Thomas Struth, uno dei più geniali fotografi di questa alba di terzo millennio, diventato celebre, non solo con riconoscimenti espositivi globali, ma anche con quotazioni da capogiro raggiunte dalle sue opere, con la serie delle “Museum Photographs”, iniziata a partire dal 1989, con cui ha segnato la storia di una nuova tecnica e di un nuovo linguaggio nella fotografia.
A lui musei e gallerie di ogni parte del mondo dedicano mostre antologiche.
Eppure, il pregio di questa rassegna sta tutta nel non privilegiare esclusivamente il tema blasonato dei suoi musei, che rimane di indubbio fascino, ma di ricostruire tutta la sua folgorante carriera creativa che non ha mai perso colpi.
Thomas Struth si riconferma, dunque, uno dei massimi esponenti della fotografia contemporanea attraverso la visione ravvicinata di circa una cinquantina di lavori, alcuni di grandi dimensioni, che partono dai suoi esordi, alla fine degli anni Settanta – la sua prima personale fu a New York nel 1978 – dedicate al paesaggio urbano in bianco e nero.
Un diario scrupoloso e attento, che non scade mai nella vibrazione poetica, prediligendo l’eleganza della sobrietà, con cui documenta la storia delle città, il suo valore urbano, l’estetica del suo divenire, e annota l’interazione fenomenica tra i suoi abitanti all’interno delle realtà architettoniche. Il suo esordio non fu certo casuale.
BREVE BIOGRAFIA DI THOMAS STRUTH
Nato a Gelden, vicino a Colonia, nel 1954, si è formato all’Accademia di Belle Arti di Duesseldorf, ereditando un gusto tutto modernista di impronta concettualistica, se non addirittura minimalista per le immagini.
Gli sono bastate la guida di Gerhard Richter per la pittura e quella di Bernd Becher per la fotografia per puntare il suo estro sull’uso essenziale dell’obiettivo fotografico, spingendosi verso scenari urbani in cui evidenziare il senso della collettività e della quotidianità.
Ambienti pregni di un’atmosfera urbana che lasciassero trasparire non solo il confortevole scorrere della vita ma anche la carica eversiva della modernità.
La sua fantasia creativa, quella che lo ha caratterizzato in maniera universale e che lo ha trasformato letteralmente nel magister di una scuola nuova è quella che si è estrinsecata nella serie di celebri immagini in cui ritrae i visitatori intenti a contemplare le opere all’interno dei musei.
Sono tutte opere di grande formato, a colori, dove l’effetto sovradimensionato sembra trasfigurare l’abituale fruizione della fotografia per aprire nuove percezioni psicologiche nel visitatore.
E’ un gioco teatrale spettacolare, da applauso.
Quello che poteva essere un intento documentario di ambienti museali diventa letteralmente una messinscena.
Thomas Struth può immortalare le sale del museo con i suoi capolavori universali, coinvolgendo gli stessi visitatori, che diventano anche loro elementi perfettamente integrati con l’ambiente circostante, in una sorta di teatralità silenziosa, dove il turista appare trasfigurato in una comparsa della scena.
Ma Struth può anche avvicinarsi di più alle persone, colte nel momento in cui contemplano l’opera d’arte.
Ed è questo il suo segno più arguto e innovativo, scegliendo di ritrarre frontalmente la gente che guarda, vista come dal punto di vista dell’opera: quasi uno studio psicologico dei modi di guardare e di recepire l’arte di persone di diverse età, sesso e provenienza sociale.
Struth punta così a ritrarre la condizione esistenziale dell’uomo confrontato con la propria immagine nell’opera d’arte.
Ecco, allora, ritrovare nelle sue immagini folle di individui nelle più svariate attività: possono ammirare estatiche l’opera, possono ascoltare la guida, possono distogliere l’attenzione e osservare altre persone.
Sono veri e propri saggi sull’osservazione, sull’osservare e sull’essere osservati.
Ma Struth affronta con la sua macchina fotografica anche le altre indagini tematiche come quelle legate alle chiese e ai luoghi sacri, dove il fotografo trasfigura la monumentalità architettonica e spaziale, profusa di valori cromatici, nella superficie invasiva di un “pattern” decorativo, come ad esempio realizza con la facciata del Duomo di Milano.
.
Duomo di Milano – interno
Un altro tema sono i cosiddetti “Paradisi”, scatti fotografici che ritraggono luoghi dove l’uomo non ha mai o ha raramente messo piede.
Qui scorre l’altro tema caro a Thomas Struth, quello della natura, dei territori incontaminati, delle foreste amazzoniche, di una natura, insomma, che è protagonista assoluta in una dimensione parallela alla realtà urbana, un mondo senza tempo, sospeso in una grandiosità sconosciuta e silenziosa.
.
.
.
.
Un tema spiazzante che appare opposto a tutta quella civiltà fatta di arte, di città e architetture finora perlustrate.
D’altronde, l’essenza di questa fotografia la indica lo stesso Struth quando afferma “cerco un dialogo tra passato e presente e la possibilità di cercare uno spazio di quiete nel nostro mondo frenetico“.
ALTRE SUE OPERE IN TEMA
Testo rielaborato da repubblica.it – immagini da vari siti – impaginazione T.K.
Non sono necessarie molte presentazioni per chi è conosciuto come il padre della fotografia e ha fermato nei suoi scatti quasi un secolo di eventi… ma ripercorriamo in breve la sua vita e la sua attività di grande fotografo del ‘900.
Henri Cartier-Bresson, è nato il 22 agosto 1908 a Chanteloup (Francia), 30 chilometri ad est di Parigi, da una famiglia alto borghese amica delle arti.
Inizialmente si interessa solo di pittura (grazie soprattutto all’influenza di suo zio, artista affermato, che all’epoca considerava un po’ come un padre spirituale), e diventa allievo di Jaques-Emile Blanche e di André Lhote, frequenta i surrealisti e Triade, il grande editore.
Dagli inizi degli anni ’30 sceglie definitivamente di sposare la fotografia.
Nel 1931 infatti, a soli 23 anni, ritornato in Francia dopo un anno in Costa d’Avorio, Henri Cartier-Bresson scopre la gioia di fotografare, compra una Leica e parte per un viaggio che lo porta nel sud della Francia, in Spagna, in Italia e in Messico.
La Leica con la sua maneggevolezza e la pellicola 24×36 inaugurano un modo nuovo di rapportarsi al reale, sono strumenti flessibili che si adattano straordinariamente all’occhio sempre mobile e sensibile del fotografo.
L’ansia che rode Cartier-Bresson in questo suo viaggio fra le immagini del mondo lo porta ad una curiosità insaziabile, incompatibile con l’ambiente borghese che lo circonda, di cui non tollera l’immobilismo e la chiusura, la piccolezza degli orizzonti.
Nel 1935 negli USA inizia a lavorare per il cinema con Paul Strand e tiene nel 1932 la sua prima mostra nella galleria Julien Levy.
Tornato in Francia continua per qualche tempo a lavorare nel cinema con Jean Renoir e Jaques Becker, ma nel 1933 un viaggio in Spagna gli offre l’occasione per realizzare le sue prime grandi fotografie di reportage.
Ed è soprattutto nel reportage che Cartier-Bresson mette in pratica tutta la sua abilità e ha modo di applicare la sua filosofia del “momento decisivo“.
Una strada che lo porterà ad essere facilmente riconoscibile, un marchio di fabbrica che lo distanzia mille miglia dalle confezioni di immagini celebri e costruite.
Chanteloup 22.8.1908 – Parigi 3.8.2004
Ormai è diventato un fotografo importante.
Catturato nel 1940 dai tedeschi, dopo 35 mesi di prigionia e due tentate fughe, riesce a evadere dal campo e fa ritorno in Francia nel 1943, a Parigi, dove ne fotografa la liberazione.
Una collaboratrice dei nazisti viene accusata e giudicata
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Qui entra a far parte dell’MNPGD, un movimento clandestino che si occupa di organizzare l’assistenza per prigionieri di guerra evasi e ricercati.
Finita la guerra ritorna al cinema e dirige il film “Le Retour”.
Negli anni 1946-47 è negli Stati Uniti, dove fotografa soprattutto per Harper’s Bazaar.
Nel 1947 al Museum of Modern Art di New York viene allestita, a sua insaputa, una mostra “postuma”; si era infatti diffusa la notizia che fosse morto durante la guerra.
Nel 1947 insieme ai suoi amici Robert Capa, David “Chim” Seymour, George Rodger e William Vandivert (un manipolo di “avventurieri mossi da un’etica”, come amava definirli), fonda la Magnum Photos, cooperativa di fotografi destinata a diventare la più importante agenzia fotografica del mondo.
Dal 1948 al 1950 è in Estremo Oriente.
Nel 1952 pubblica “Images à la sauvette“, una raccolta di sue foto (con copertina, nientedimeno, che di Matisse), che ha un’immediata e vastissima eco internazionale.
Nel 1954 fu il primo fotografo occidentale a poter visitare l’allora URSS.
Nel 1955 viene inaugurata la sua prima grande retrospettiva, che farà poi il giro del mondo, al Musée des Arts Décoratifs di Parigi.
Dopo una serie di viaggi (Cuba, Messico, India e Giappone), dal 1966 si dedica progressivamente sempre più al disegno.
Innumerevoli, in questi anni, sono i riconoscimenti ricevuti, così come le esposizioni organizzate e le pubblicazioni che in tutto il mondo hanno reso omaggio alla sua straordinaria produzione di fotografo e di pittore.
Dal 1988 il Centre National de la Photographie di Parigi ha istituito il Gran Premio Internazionale di Fotografia, intitolandolo a lui.
Oltre ad essere universalmente riconosciuto tra i più grandi fotografi del secolo, Henri Cartier-Bresson ha avuto un ruolo fondamentale nella teorizzazione dell’atto del fotografare, tradotto tra l’altro nella già ricordata e celebre definizione del “momento decisivo“.
L’occhio magico della sua macchina fotografica ha praticamente catturato le immagini di un secolo in ogni parte del mondo.
Poco prima di raggiungere i 96 anni, morì a Parigi il 3 agosto 2004.
La notizia commosse e fece il giro del mondo… ma le sue opere gli sopravvivono come affascinanti, emozionanti ed insuperabili documenti sia storici che artistici.
Testo da Biografieonline.it con mini modifiche ed impaginazione t.k.
Chi desideri vedere un’ulteriore carrellata di sue fotografie… ecco un video che ne raccoglie parecchie altre… oltre a darci un’altra visione della sua arte.
La giovane Susannah Benjamin, studentessa al 2° anno a Yale,
ha vinto questo premio per le oltre 1,6 milioni di visualizzazioni web
ottenute grazie all’originalità ed al fascino delle sue foto.
Ma chi è, e che tipo è,
questa giovane considerata un vero talento dell’arte fotografica moderna?
Conosciamola un po’ attraverso questa sua dichiarazione
riguardo all’amore per la fotografia e vedendo alcune sue artistiche foto.
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Susannah Benjamin
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“Sono Susannah, 18 anni e matricola all’Università di Yale.
Mi piace raccontare storie e creare arte; questo fa proprio parte di me ed è quel che voglio fare nella mia vita.
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Ogni volta che un amico si avvicina sono spinta a fare un servizio fotografico.
La fotografia deve per me esser sorprendente nel senso che amo miscelare tutte le mie cose infantili preferite: come giocare fingere, vestirsi in cose folli, parlare, ridere, inventare, etc.
Sebbene molti fotografi adolescenti sono presi dalla mania di diventare i classici fotografi di moda, io non credo nella sola bellezza per la bellezza.
Voglio separare storie e concetti, perché voglio comunicare messaggi ed emozioni attraverso il mio lavoro (cerco sempre di trasmettere il mio pensiero sennò non mi sento soddisfatta come artista).
Io uso la fotografia e la scrittura come mezzi per esternare tutto quello che mi passa nella mia testa.
Il mio lavoro esplora temi della mia crescita, della mia adolescenza, dell’immagine di me.. etc.
La creazione di un servizio fotografico è così snervante, impegnativa ed emozionante che alla fine sono esausta.
I miei amici dicono d’aver piacere a posare per me quando qualche volta faccio su di loro un servizio fotografico ed io sono davvero contenta ed essi dicono di vedermi in estasi.
Cerco ispirazione nella mitologia e nella letteratura e cerco di conoscere sempre nuove storie in qualsiasi modo o forma.”
Uno di questo è il fotografo di cui ora vi parlerò che,
insieme a diversi altri,
ha scelto un genere davvero inconsueto.
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Infatti ora conosceremo il fotografo tedesco
diventato famoso
soprattutto per l’idea, davvero molto originale,
di ritrarre i visitatori dei musei
intenti a contemplare opere d’arte.
THOMAS STRUTH
IL FOTOGRAFO DEI… VISITATORI DEI MUSEI
Thomas Struth (nato nel 1954)
Rielaborazione libera di un articolo di LAURA LARCAN
da parte di Tony Kospan
I più importanti musei del mondo sono la sua riserva naturale di caccia.
Si diverte a nascondersi tra la folla di visitatori e a osservare le dinamiche schizofreniche di un mondo umano in balia del fascino dei capolavori dell’arte.
Per poi immortalare i comportamenti di questi piccoli grandi fruitori della cultura di massa.
Ed elaborando un ritratto sociologico dello spirito contemporaneo.
E’ Thomas Struth, uno dei più geniali fotografi di questa alba di terzo millennio, diventato celebre, non solo con riconoscimenti espositivi globali, ma anche con quotazioni da capogiro raggiunte dalle sue opere, con la serie delle “Museum Photographs”, iniziata a partire dal 1989, con cui ha segnato la storia di una nuova tecnica e di un nuovo linguaggio nella fotografia.
A lui musei e gallerie di ogni parte del mondo dedicano mostre antologiche.
Eppure, il pregio di questa rassegna sta tutta nel non privilegiare esclusivamente il tema blasonato dei suoi musei, che rimane di indubbio fascino, ma di ricostruire tutta la sua folgorante carriera creativa che non ha mai perso colpi.
Thomas Struth si riconferma, dunque, uno dei massimi esponenti della fotografia contemporanea attraverso la visione ravvicinata di circa una cinquantina di lavori, alcuni di grandi dimensioni, che partono dai suoi esordi, alla fine degli anni Settanta – la sua prima personale fu a New York nel 1978 – dedicate al paesaggio urbano in bianco e nero.
Un diario scrupoloso e attento, che non scade mai nella vibrazione poetica, prediligendo l’eleganza della sobrietà, con cui documenta la storia delle città, il suo valore urbano, l’estetica del suo divenire, e annota l’interazione fenomenica tra i suoi abitanti all’interno delle realtà architettoniche. Il suo esordio non fu certo casuale.
BREVE BIOGRAFIA DI THOMAS STRUTH
Nato a Gelden, vicino a Colonia, nel 1954, si è formato all’Accademia di Belle Arti di Duesseldorf, ereditando un gusto tutto modernista di impronta concettualistica, se non addirittura minimalista per le immagini.
Gli sono bastate la guida di Gerhard Richter per la pittura e quella di Bernd Becher per la fotografia per puntare il suo estro sull’uso essenziale dell’obiettivo fotografico, spingendosi verso scenari urbani in cui evidenziare il senso della collettività e della quotidianità.
Ambienti pregni di un’atmosfera urbana che lasciassero trasparire non solo il confortevole scorrere della vita ma anche la carica eversiva della modernità.
La sua fantasia creativa, quella che lo ha caratterizzato in maniera universale e che lo ha trasformato letteralmente nel magister di una scuola nuova è quella che si è estrinsecata nella serie di celebri immagini in cui ritrae i visitatori intenti a contemplare le opere all’interno dei musei.
Sono tutte opere di grande formato, a colori, dove l’effetto sovradimensionato sembra trasfigurare l’abituale fruizione della fotografia per aprire nuove percezioni psicologiche nel visitatore.
E’ un gioco teatrale spettacolare, da applauso.
Quello che poteva essere un intento documentario di ambienti museali diventa letteralmente una messinscena.
Thomas Struth può immortalare le sale del museo con i suoi capolavori universali, coinvolgendo gli stessi visitatori, che diventano anche loro elementi perfettamente integrati con l’ambiente circostante, in una sorta di teatralità silenziosa, dove il turista appare trasfigurato in una comparsa della scena.
Ma Struth può anche avvicinarsi di più alle persone, colte nel momento in cui contemplano l’opera d’arte.
Ed è questo il suo segno più arguto e innovativo, scegliendo di ritrarre frontalmente la gente che guarda, vista come dal punto di vista dell’opera: quasi uno studio psicologico dei modi di guardare e di recepire l’arte di persone di diverse età, sesso e provenienza sociale.
Struth punta così a ritrarre la condizione esistenziale dell’uomo confrontato con la propria immagine nell’opera d’arte.
Ecco, allora, ritrovare nelle sue immagini folle di individui nelle più svariate attività: possono ammirare estatiche l’opera, possono ascoltare la guida, possono distogliere l’attenzione e osservare altre persone.
Sono veri e propri saggi sull’osservazione, sull’osservare e sull’essere osservati.
Ma Struth affronta con la sua macchina fotografica anche le altre indagini tematiche come quelle legate alle chiese e ai luoghi sacri, dove il fotografo trasfigura la monumentalità architettonica e spaziale, profusa di valori cromatici, nella superficie invasiva di un “pattern” decorativo, come ad esempio realizza con la facciata del Duomo di Milano.
.
Duomo di Milano – interno
Un altro tema sono i cosiddetti “Paradisi”, scatti fotografici che ritraggono luoghi dove l’uomo non ha mai o ha raramente messo piede.
Qui scorre l’altro tema caro a Thomas Struth, quello della natura, dei territori incontaminati, delle foreste amazzoniche, di una natura, insomma, che è protagonista assoluta in una dimensione parallela alla realtà urbana, un mondo senza tempo, sospeso in una grandiosità sconosciuta e silenziosa.
.
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Un tema spiazzante che appare opposto a tutta quella civiltà fatta di arte, di città e architetture finora perlustrate.
D’altronde, l’essenza di questa fotografia la indica lo stesso Struth quando afferma “cerco un dialogo tra passato e presente e la possibilità di cercare uno spazio di quiete nel nostro mondo frenetico“.
ALTRE SUE OPERE IN TEMA
Testo rielaborato da repubblica.it – immagini da vari siti – impaginazione T.K.
La giovane Susannah Benjamin, studentessa al 2° anno a Yale,
ha vinto questo premio per le oltre 1,6 milioni di visualizzazioni web
ottenute grazie all’originalità ed al fascino delle sue foto.
Ma chi è, e che tipo è,
questa giovane considerata un vero talento dell’arte fotografica moderna?
Conosciamola un po’ attraverso questa sua dichiarazione
riguardo all’amore per la fotografia e vedendo alcune sue artistiche foto.
.
.
.
Susannah Benjamin
.
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“Sono Susannah, 18 anni e matricola all’Università di Yale.
Mi piace raccontare storie e creare arte; questo fa proprio parte di me ed è quel che voglio fare nella mia vita.
,
Ogni volta che un amico si avvicina sono spinta a fare un servizio fotografico.
La fotografia deve per me esser sorprendente nel senso che amo miscelare tutte le mie cose infantili preferite: come giocare fingere, vestirsi in cose folli, parlare, ridere, inventare, etc.
Sebbene molti fotografi adolescenti sono presi dalla mania di diventare i classici fotografi di moda, io non credo nella sola bellezza per la bellezza.
Voglio sparare storie e concetti, perché voglio communicare messaggi ed emozioni attraverso il mio lavoro (cerco sempre di trasmettere il mio pensiero sennò non mi sento soddisfatta come artista).
Io uso la fotografia e la scrittura come mezzi per esternare tutto quello che mi passa nella mia testa.
Il mio lavoro esplora temi della mia crescita, della mia adolescenza, dell’immagine di me.. etc.
La creazione di un servizio fotografico è così snervante, impegnativa ed emozionante che alla fine sono esausta.
I miei amici dicono d’aver piacere a posare per me quando qualche volta faccio su di loro un servizio fotografico ed io sono davvero contenta ed essi dicono di vedermi in estasi.
Cerco ispirazione nella mitologia e nella letteratura e cerco di conoscere sempre nuove storie in qualsiasi modo o forma.”
Uno di questo è il fotografo di cui ora vi parlerò che,
insieme a diversi altri,
ha scelto un genere davvero inconsueto.
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Infatti ora conosceremo il fotografo tedesco
diventato famoso
soprattutto per l’idea, davvero molto originale,
di ritrarre i visitatori dei musei
intenti a contemplare opere d’arte.
THOMAS STRUTH
IL FOTOGRAFO DEI… VISITATORI DEI MUSEI
Thomas Struth (nato nel 1954)
Rielaborazione libera di un articolo di LAURA LARCAN
da parte di Tony Kospan
I più importanti musei del mondo sono la sua riserva naturale di caccia.
Si diverte a nascondersi tra la folla di visitatori e a osservare le dinamiche schizofreniche di un mondo umano in balia del fascino dei capolavori dell’arte.
Per poi immortalare i comportamenti di questi piccoli grandi fruitori della cultura di massa.
Ed elaborando un ritratto sociologico dello spirito contemporaneo.
E’ Thomas Struth, uno dei più geniali fotografi di questa alba di terzo millennio, diventato celebre, non solo con riconoscimenti espositivi globali, ma anche con quotazioni da capogiro raggiunte dalle sue opere, con la serie delle “Museum Photographs”, iniziata a partire dal 1989, con cui ha segnato la storia di una nuova tecnica e di un nuovo linguaggio nella fotografia.
A lui musei e gallerie di ogni parte del mondo dedicano mostre antologiche.
Eppure, il pregio di questa rassegna sta tutta nel non privilegiare esclusivamente il tema blasonato dei suoi musei, che rimane di indubbio fascino, ma di ricostruire tutta la sua folgorante carriera creativa che non ha mai perso colpi.
Thomas Struth si riconferma, dunque, uno dei massimi esponenti della fotografia contemporanea attraverso la visione ravvicinata di circa una cinquantina di lavori, alcuni di grandi dimensioni, che partono dai suoi esordi, alla fine degli anni Settanta – la sua prima personale fu a New York nel 1978 – dedicate al paesaggio urbano in bianco e nero.
Un diario scrupoloso e attento, che non scade mai nella vibrazione poetica, prediligendo l’eleganza della sobrietà, con cui documenta la storia delle città, il suo valore urbano, l’estetica del suo divenire, e annota l’interazione fenomenica tra i suoi abitanti all’interno delle realtà architettoniche. Il suo esordio non fu certo casuale.
BREVE BIOGRAFIA DI THOMAS STRUTH
Nato a Gelden, vicino a Colonia, nel 1954, si è formato all’Accademia di Belle Arti di Duesseldorf, ereditando un gusto tutto modernista di impronta concettualistica, se non addirittura minimalista per le immagini.
Gli sono bastate la guida di Gerhard Richter per la pittura e quella di Bernd Becher per la fotografia per puntare il suo estro sull’uso essenziale dell’obiettivo fotografico, spingendosi verso scenari urbani in cui evidenziare il senso della collettività e della quotidianità.
Ambienti pregni di un’atmosfera urbana che lasciassero trasparire non solo il confortevole scorrere della vita ma anche la carica eversiva della modernità.
La sua fantasia creativa, quella che lo ha caratterizzato in maniera universale e che lo ha trasformato letteralmente nel magister di una scuola nuova è quella che si è estrinsecata nella serie di celebri immagini in cui ritrae i visitatori intenti a contemplare le opere all’interno dei musei.
Sono tutte opere di grande formato, a colori, dove l’effetto sovradimensionato sembra trasfigurare l’abituale fruizione della fotografia per aprire nuove percezioni psicologiche nel visitatore.
E’ un gioco teatrale spettacolare, da applauso.
Quello che poteva essere un intento documentario di ambienti museali diventa letteralmente una messinscena.
Thomas Struth può immortalare le sale del museo con i suoi capolavori universali, coinvolgendo gli stessi visitatori, che diventano anche loro elementi perfettamente integrati con l’ambiente circostante, in una sorta di teatralità silenziosa, dove il turista appare trasfigurato in una comparsa della scena.
Ma Struth può anche avvicinarsi di più alle persone, colte nel momento in cui contemplano l’opera d’arte.
Ed è questo il suo segno più arguto e innovativo, scegliendo di ritrarre frontalmente la gente che guarda, vista come dal punto di vista dell’opera: quasi uno studio psicologico dei modi di guardare e di recepire l’arte di persone di diverse età, sesso e provenienza sociale.
Struth punta così a ritrarre la condizione esistenziale dell’uomo confrontato con la propria immagine nell’opera d’arte.
Ecco, allora, ritrovare nelle sue immagini folle di individui nelle più svariate attività: possono ammirare estatiche l’opera, possono ascoltare la guida, possono distogliere l’attenzione e osservare altre persone.
Sono veri e propri saggi sull’osservazione, sull’osservare e sull’essere osservati.
Ma Struth affronta con la sua macchina fotografica anche le altre indagini tematiche come quelle legate alle chiese e ai luoghi sacri, dove il fotografo trasfigura la monumentalità architettonica e spaziale, profusa di valori cromatici, nella superficie invasiva di un “pattern” decorativo, come ad esempio realizza con la facciata del Duomo di Milano.
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Duomo di Milano – interno
Un altro tema sono i cosiddetti “Paradisi”, scatti fotografici che ritraggono luoghi dove l’uomo non ha mai o ha raramente messo piede.
Qui scorre l’altro tema caro a Thomas Struth, quello della natura, dei territori incontaminati, delle foreste amazzoniche, di una natura, insomma, che è protagonista assoluta in una dimensione parallela alla realtà urbana, un mondo senza tempo, sospeso in una grandiosità sconosciuta e silenziosa.
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Un tema spiazzante che appare opposto a tutta quella civiltà fatta di arte, di città e architetture finora perlustrate.
D’altronde, l’essenza di questa fotografia la indica lo stesso Struth quando afferma “cerco un dialogo tra passato e presente e la possibilità di cercare uno spazio di quiete nel nostro mondo frenetico“.
ALTRE SUE OPERE IN TEMA
Testo rielaborato da repubblica.it – immagini da vari siti – impaginazione T.K.
La giovane Susannah Benjamin, studentessa al 2° anno a Yale,
ha vinto questo premio per le oltre 1,6 milioni di visualizzazioni web
ottenute grazie all'originalità ed al fascino delle sue foto.
Ma chi è, e che tipo è,
questa giovane considerata un vero talento dell'arte fotografica moderna?
Conosciamola un po' attraverso questa sua dichiarazione
riguardo all'amore per la fotografia e vedendo alcune sue artistiche foto.
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.
Susannah Benjamin
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“Sono Susannah, 18 anni e matricola all'Università di Yale.
Mi piace raccontare storie e creare arte; questo fa proprio parte di me ed è quel che voglio fare nella mia vita.
,
Ogni volta che un amico si avvicina sono spinta a fare un servizio fotografico.
La fotografia deve per me esser sorprendente nel senso che amo miscelare tutte le mie cose infantili preferite: come giocare fingere, vestirsi in cose folli, parlare, ridere, inventare, etc.
Sebbene molti fotografi adolescenti sono presi dalla mania di diventare i classici fotografi di moda, io non credo nella sola bellezza per la bellezza.
Voglio sparare storie e concetti, perché voglio communicare messaggi ed emozioni attraverso il mio lavoro (cerco sempre di trasmettere il mio pensiero sennò non mi sento soddisfatta come artista).
Io uso la fotografia e la scrittura come mezzi per esternare tutto quello che mi passa nella mia testa.
Il mio lavoro esplora temi della mia crescita, della mia adolescenza, dell'immagine di me.. etc.
La creazione di un servizio fotografico è così snervante, impegnativa ed emozionante che alla fine sono esausta.
I miei amici dicono d'aver piacere a posare per me quando qualche volta faccio su di loro un servizio fotografico ed io sono davvero contenta ed essi dicono di vedermi in estasi.
Cerco ispirazione nella mitologia e nella letteratura e cerco di conoscere sempre nuove storie in qualsiasi modo o forma.”
Nel campo della Storia della Fotografia alcuni artisti
hanno preferito seguire un tema particolare…
o un particolare aspetto della vita umana.
.
Uno di questo è il fotografo di cui ora vi parlerò
che, oltre a diversi altri,
ha scelto un genere davvero inconsueto.
Infatti ora conosceremo il fotografo tedesco
diventato famoso…
soprattutto per l’idea, davvero molto originale,
di ritrarre i visitatori dei musei
intenti a contemplare le opere d’arte.
THOMAS STRUTH
IL FOTOGRAFO DEI… VISITATORI DEI MUSEI
Thomas Struth (nato nel 1954)
Rielaborazione libera di un articolo di LAURA LARCAN
da parte di Tony Kospan
I più importanti musei del mondo sono la sua riserva naturale di caccia.
Si diverte a nascondersi tra la folla di visitatori e a osservare le dinamiche schizofreniche di un mondo umano in balia del fascino dei capolavori dell’arte.
Per poi immortalare i comportamenti di questi piccoli grandi fruitori della cultura di massa.
Ed elaborando un ritratto sociologico dello spirito contemporaneo.
E’ Thomas Struth, uno dei più geniali fotografi di questa alba di terzo millennio, diventato celebre, non solo con riconoscimenti espositivi globali, ma anche con quotazioni da capogiro raggiunte dalle sue opere, con la serie delle “Museum Photographs”, iniziata a partire dal 1989, con cui ha segnato la storia di una nuova tecnica e di un nuovo linguaggio nella fotografia.
A lui musei e gallerie di ogni parte del mondo dedicano mostre antologiche.
Eppure, il pregio di questa rassegna sta tutta nel non privilegiare esclusivamente il tema blasonato dei suoi musei, che rimane di indubbio fascino, ma di ricostruire tutta la sua folgorante carriera creativa che non ha mai perso colpi.
Thomas Struth si riconferma, dunque, uno dei massimi esponenti della fotografia contemporanea attraverso la visione ravvicinata di circa una cinquantina di lavori, alcuni di grandi dimensioni, che partono dai suoi esordi, alla fine degli anni Settanta – la sua prima personale fu a New York nel 1978 – dedicate al paesaggio urbano in bianco e nero.
Un diario scrupoloso e attento, che non scade mai nella vibrazione poetica, prediligendo l’eleganza della sobrietà, con cui documenta la storia delle città, il suo valore urbano, l’estetica del suo divenire, e annota l’interazione fenomenica tra i suoi abitanti all’interno delle realtà architettoniche. Il suo esordio non fu certo casuale.
BREVE BIOGRAFIA
Nato a Gelden, vicino a Colonia, nel 1954, si è formato all’Accademia di Belle Arti di Duesseldorf, ereditando un gusto tutto modernista di impronta concettualistica, se non addirittura minimalista per le immagini.
Gli sono bastate la guida di Gerhard Richter per la pittura e quella di Bernd Becher per la fotografia per puntare il suo estro sull’uso essenziale dell’obiettivo fotografico, spingendosi verso scenari urbani in cui evidenziare il senso della collettività e della quotidianità.
Ambienti pregni di un’atmosfera urbana che lasciassero trasparire non solo il confortevole scorrere della vita ma anche la carica eversiva della modernità.
La sua fantasia creativa, quella che lo ha caratterizzato in maniera universale e che lo ha trasformato letteralmente nel magister di una scuola nuova è quella che si è estrinsecata nella serie di celebri immagini in cui ritrae i visitatori intenti a contemplare le opere all’interno dei musei.
Sono tutte opere di grande formato, a colori, dove l’effetto sovradimensionato sembra trasfigurare l’abituale fruizione della fotografia per aprire nuove percezioni psicologiche nel visitatore.
E’ un gioco teatrale spettacolare, da applauso.
Quello che poteva essere un intento documentario di ambienti museali diventa letteralmente una messinscena.
Thomas Struth può immortalare le sale del museo con i suoi capolavori universali, coinvolgendo gli stessi visitatori, che diventano anche loro elementi perfettamente integrati con l’ambiente circostante, in una sorta di teatralità silenziosa, dove il turista appare trasfigurato in una comparsa della scena.
Ma Struth può anche avvicinarsi di più alle persone, colte nel momento in cui contemplano l’opera d’arte.
Ed è questo il suo segno più arguto e innovativo, scegliendo di ritrarre frontalmente la gente che guarda, vista come dal punto di vista dell’opera: quasi uno studio psicologico dei modi di guardare e di recepire l’arte di persone di diverse età, sesso e provenienza sociale.
Struth punta così a ritrarre la condizione esistenziale dell’uomo confrontato con la propria immagine nell’opera d’arte.
Ecco, allora, ritrovare nelle sue immagini folle di individui nelle più svariate attività: possono ammirare estatiche l’opera, possono ascoltare la guida, possono distogliere l’attenzione e osservare altre persone.
Sono veri e propri saggi sull’osservazione, sull’osservare e sull’essere osservati.
Ma Struth affronta con la sua macchina fotografica anche le altre indagini tematiche come quelle legate alle chiese e ai luoghi sacri, dove il fotografo trasfigura la monumentalità architettonica e spaziale, profusa di valori cromatici, nella superficie invasiva di un “pattern” decorativo, come ad esempio realizza con la facciata del Duomo di Milano.
Duomo di Milano – interno
Un altro tema sono i cosiddetti “Paradisi”, scatti fotografici che ritraggono luoghi dove l’uomo non ha mai o ha raramente messo piede.
Qui scorre l’altro tema caro a Thomas Struth, quello della natura, dei territori incontaminati, delle foreste amazzoniche, di una natura, insomma, che è protagonista assoluta in una dimensione parallela alla realtà urbana, un mondo senza tempo, sospeso in una grandiosità sconosciuta e silenziosa.
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Un tema spiazzante che appare opposto a tutta quella civiltà fatta di arte, di città e architetture finora perlustrate.
D’altronde, l’essenza di questa fotografia la indica lo stesso Struth quando afferma “cerco un dialogo tra passato e presente e la possibilità di cercare uno spazio di quiete nel nostro mondo frenetico“.
ALTRE SUE OPERE
Testo rielaborato da repubblica.it – immagini da vari siti – impaginazione T.K.
La giovane Susannah Benjamin, studentessa al 2° anno a Yale,
ha vinto questo premio per le oltre 1,6 milioni di visualizzazioni web
ottenute grazie all’originalità ed al fascino delle sue foto.
Ma chi è, e che tipo è,
questa giovane considerata un vero talento dell’arte fotografica moderna?
Conosciamola un po’ attraverso questa sua dichiarazione
riguardo all’amore per la fotografia e vedendo alcune sue artistiche foto.
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Susannah Benjamin
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“Sono Susannah, 18 anni e matricola all’Università di Yale.
Mi piace raccontare storie e creare arte; questo fa proprio parte di me ed è quel che voglio fare nella mia vita.
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Ogni volta che un amico si avvicina sono spinta a fare un servizio fotografico.
La fotografia deve per me esser sorprendente nel senso che amo miscelare tutte le mie cose infantili preferite: come giocare fingere, vestirsi in cose folli, parlare, ridere, inventare, etc.
Sebbene molti fotografi adolescenti sono presi dalla mania di diventare i classici fotografi di moda, io non credo nella sola bellezza per la bellezza.
Voglio sparare storie e concetti, perché voglio communicare messaggi ed emozioni attraverso il mio lavoro (cerco sempre di trasmettere il mio pensiero sennò non mi sento soddisfatta come artista).
Io uso la fotografia e la scrittura come mezzi per esternare tutto quello che mi passa nella mia testa.
Il mio lavoro esplora temi della mia crescita, della mia adolescenza, dell’immagine di me.. etc.
La creazione di un servizio fotografico è così snervante, impegnativa ed emozionante che alla fine sono esausta.
I miei amici dicono d’aver piacere a posare per me quando qualche volta faccio su di loro un servizio fotografico ed io sono davvero contenta ed essi dicono di vedermi in estasi.
Cerco ispirazione nella mitologia e nella letteratura e cerco di conoscere sempre nuove storie in qualsiasi modo o forma.”
Edmond Eugène Alexis Rostand (Marsiglia, 1º aprile 1868 – Parigi, 2 dicembre 1918) poeta e drammaturgo francese è c… twitter.com/i/web/status/1…1 hour ago
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IL MONDO DI ORSOSOGNANTE 