ARTE E SEGRETI | IL MONDO DI ORSOSOGNANTE

Ripartiamo, nell’analisi del dipinto,

dalle gambe della dea, dal pomo e dalle maschere

con le parole del Solimano.

L’ALLEGORIA DELL’AMORE E DEL TEMPO

ARTE E SEGRETI

II PARTE

Ma soprattutto si vedono due maschere, una giovane donna ed un uomo anziano che ha l’aria trista (triste+cattiva).

Le maschere, dice Erwin Panofsky, da sempre simboleggiano “la mondanità, l’insincerità e la falsità”.

Un raccordo con la Frode (la fanciulla), ma anche con il Piacere ed il Gioco (il putto).

Tutto continua ad essere chiaro ed ambiguo, duplice.

Nel particolare qui sotto del quadro del Bronzino, si vedono in parte i corpi bellissimi dei due amanti, Venere e Cupido, e continuano a comparire dei simboli, dei sublimi feticci.

Ambiguamente, il voyeurismo si nasconde dietro il significato morale e viceversa.

Proprio nell’angolo in basso si vede una colomba, ma poi se si guarda bene, si vede anche spuntare il becco e la testa di un’altra colomba.

“Tubare come colombi” si dice ancor oggi, ed Erwin Panofsky scrive che era un simbolo usuale di “tenera sollecitudine”, a cui è da aggiungere che le coppie di colombi sono note per la monogamia.

Il contesto non sembra quello, considerando il cuscino evidentemente morbidissimo sotto le ginocchia di Cupido, oggetto piuttosto raro allora.

Ancora oggi parliamo dei cuscini in “piumino d’oca” proprio per intendere che la morbidezza è il primo requisito del cuscino, che è un simbolo di lascivia e di mollezza.

“I Racconti del Cuscino” è il titolo di un film pregevole ed originale di Peter Greenaway, l’autore de “I misteri dei Giardini di Compton House”.

Il tema ricorrente di Greenaway è una acuta indagine sull’erotismo, un po’ quello che fa il Bronzino qui.

Dietro Cupido, si intravedono le foglie di un mirto, simbolo classico dell’amore.

Ma il corpo di Cupido, è maschile o femminile?

Ci tornerò alla fine.

In alto c’è un vecchio assai vigoroso, attento e lucidamente iracondo, la testa pelata ed una strana barba assai folta, dove c’è. I baffi spioventi gli coprono le labbra.

Ancora più in alto si vede un’ala biancastra e, vicino alla testa del vecchio, si intravede parte di una clessidra.

Corrisponde con la colomba nell’angolo opposto, quella di cui si vede solo il becco e la testa – il Bronzino era assai lucido nell’organizzare, nel pesare la rappresentazione, ed in questo caso si tratta musicalmente di due note in minore, ma indispensabili.
Questo vecchio è il simbolo del tempo, lo comprendono tutti, ma è bene porsi due domande, una particolare, ed una generale.

Che cosa sta facendo il tempo, anzi il Tempo?

Il tempo

Sta tirando in alto un drappo, una specie di grande tenda, sta svelando il quadro, con tutti i suoi significati e la loro ambiguità che, per il fatto stesso che ce ne accorgiamo, non c’è più, perché “Veritas filia Temporis”.

Perché il Tempo è vecchio? Una domanda ovvia, ma solo in apparenza.

Parrà strano, ma nella antichità classica il Tempo non era rappresentato come un vecchio, non c’era questa attenzione all’età del Tempo, anzi, spesso era rappresentato come un giovane con le ali ai piedi: Kairòs, l’Opportunità, che passa veloce e la devi cogliere subito, difatti aveva un gran ciuffo davanti e la nuca rasata.

Il Tempo è rappresentato come un vecchio per l’equivoco tardo-antico fra due parole greche che hanno significato diverso: Chronos, il tempo e Kronos, il padre di Zeus, vecchio e cattivissimo, un mangiabambini, alla lettera.

Lascio a voi la riflessione su quanto questa identificazione negativa del Tempo abbia pesato sulla visione di vita di tutto l’Occidente.

Per gli antichi Greci, Chronos era una cosa e Kronos tutta un’altra cosa.

Kronos, il nostro Saturno, si è mangiato pure Chronos… ed è un bel guaio.

Sono rappresentate due donne, nella parte del dipinto in alto a sinistra.

La simbologia di una delle due, la donna che piange ed urla strappandosi i capelli, è stata sempre chiara, dal Vasari ad oggi, anzi ben prima del Vasari e del Bronzino: è il simbolo della Gelosia disperata, altro inconveniente dell’amore, forse quello che più fa soffrire.

Riguardo la donna più in alto ci sono state molte discussioni; Erwin Panofsky credette di essere arrivato nel giusto definendola come Verità che aiuta il Tempo ad alzare il velo: Veritas filia Temporis, appunto.

Quindi ritenne che il titolo più appropriato del quadro era: “La lussuria smascherata“.

Ma ebbe la correttezza di cambiare idea quando osservò che nel quadro c’è una contrapposizione fra questa donna ed il Tempo: si scambiano sguardi irosi e sembra che la donna cerchi più di continuare a coprire col drappo piuttosto che alzarlo.

Oggi l’interpretazione più diffusa ritiene che questa donna rappresenti la Notte, colei che cela gli amanti ed in cui sembra che il tempo si fermi.

Al centro del quadro Cupido e Venere si baciano e si carezzano lascivamente, ma le forme di Cupido hanno ben poco di maschile, sembra un androgino.

Qui c’è tutta la cultura neoplatonica di Firenze che tendeva ad una rappresentazione molto simile dei corpi maschili e femminili, lo si vede benissimo dai disegni di Leonardo, Michelangelo e Raffaello.

L’aspetto più sorprendente è la gestualità dei due amanti: Venere ha in mano una freccia, Cupido tiene una mano sui capelli di Venere, sino ad arrivare al diadema.

Non possono essere gesti vacui, e l’interpretazione è singolare: entrambi stanno perseguendo la stessa finalità, che è quella di sottrarre qualcosa senza che l’altro se ne accorga.

Venere disarma Cupido privandolo della freccia, e Cupido disarma Venere privandola del suo diadema.

Entrambi operano in modo nascosto, difatti i loro gesti non possono essere reciprocamente visti.

Trovo convincente questa interpretazione, perché dopo che la si è sentita la prima volta non si può fare a meno di vedere la specularità dei due gesti, che sono fra di loro in corrispondenza fraudolenta.

Rivediamolo infine un’ultima volta e tutto intero, il quadro,

dopo gli spezzettamenti faticosi della spiegazione.

Un altro titolo dell’opera, forse più vicino alle intenzioni dell’artista, è “L’Allegoria del Trionfo di Venere”.

Il quadro è stato eseguito attorno al 1546 e segna la fine del periodo dei manieristi eroici e furiosi: il Parmigianino, il Rosso fiorentino, il Pontormo, i pittori della crisi politica italiana.

Due poteri politici assoluti, il Vaticano e la Spagna, hanno vinto, e “la lucida intenzionalità con cui il Bronzino dà forma incorrotta alla materia pittorica, fissando le immagini in una statica e aulica preziosità, si pone come superamento delle inquietudini della precedente generazione manieristica”.

E’ “un emblematico riflesso della volontà assolutistica della politica”.

Nel tempo succederà altre volte, ancora con grandi artisti: Guido Reni, dopo la tempesta sublime e terrestre del Caravaggio, e Jean Dominique Ingres, dopo la Rivoluzione francese, in piena Restaurazione.

Ma se seguiamo Erwin Panofsky, ci accorgiamo di quanta duplicità, ambiguità, insicurezza, ci sia dietro questo trionfo allegorico, ed il Bronzino ne era consapevole, solo che i tempi erano quelli.

La scialuppa di salvataggio non è il trionfo, è la consapevolezza, ed il sorriso che ne scaturisce, non ironico né grottesco, è il sorriso di chi ha capito, e va bene così, perché chi se ne accorge già è fuori dal gioco fraudolento della ipocrisia fatta sistema, dei disvalori elevati a valori.

Questo può essere il senso catartico del capolavoro del Bronzino.

F i n e

Testo di Solimano – Impaginazione note e coordinam. di Tony Kospan

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Un mitico dipinto, molto chiaro, perfino semplice…

ma che tuttavia, secondo lo stile dell’epoca,

nasconde tanti simboli ed il mistero del suo significato.

“Osserviamolo attentamente e… da… vicino”.

L’ENIGMA DELLA PRIMAVERA DEL BOTTICELLI

a cura di Tony Kospan

STORIA DEL DIPINTO

Raramente un dipinto che ha un oggetto così chiaro…, come questo…, nasconde invece tanti segreti interpretativi…

Commissionata al pittore fiorentino intorno al 1478, “La Primavera” è il più celebre dipinto mitologico del Quattrocento, ed è anche una delle creazioni più belle e più misteriose del Rinascimento.

Ancor oggi, nonostante i tantissimi studi da parte dei più grandi esperti d’arte, ci sfuggono sia la genesi precisa che tutti i suoi veri significati

Nel 1498, pochi anni dopo la sua realizzazione, adornava il letto del giovane Lorenzo di Piefrancesco de’ Medici, nipote del Magnifico.

Sessant’anni più tardi, avendola vista nella villa medicea di Castello, Giorgio Vasari ce ne parla in un passo del suo celebre “Le Vite” ed in pratica ci consegna il titolo dell’opera “… un’altra Venere, che le Grazie la fioriscono, dinotando la Primavera: le quali da lui (Botticelli) con grazia si veggono espresse“.

AMBIENTAZIONE E PERSONAGGI RAPPRESENTATI

Nell’opera sono rappresentati 9 personaggi posti in un boschetto ombroso, che si presentano allineati su un prato tappezzato da decine di fiori di vario genere.

L’ambientazione ricorda gli arazzi fiamminghi, noti come “millefiori“, all’epoca molto diffusi nelle case aristocratiche fiorentine.

L’identità delle nove figure sembra però ormai definitivamente accertata.

Venere

Al centro della composizione c’è Venere (per altri potrebbe essere invece Giunone per la sua posa serena).

Accanto a lei le tre Grazie: Talia la prosperità, Eufrosine la gioia e Aglaia lo splendore

Sia la dea che le altre figure femminili

appaiono chiaramente incinte.

Sulla destra c’è Zefiro, la ninfa Cloris che si trasforma in Flora dalla splendida veste bianca decorata di corolle.

Cupido

In alto poi c’è Cupido

Mercurio

e sull’estrema sinistra Mercurio.

LETTURA DEL DIPINTO

Va fatta, contrariamente al solito, da destra verso sinistra.

Zefiro Cloris e Flora (da dx verso sin)

Zefiro, vento primaverile agguanta la ninfa Cloris che poi si trasforma in Flora… dea della Primavera… e dei fiori.

Flora

Flora, pur non essendo il personaggio centrale, spicca però per la sua bellezza… e dà anche il nome al dipinto.

Accanto a Flora, al centro dipinto, la dea Venere (o Giunone) con un atteggiamento sereno saluta con la mano le tre Grazie che danzano in cerchio un ballo dell’epoca coperte solo di veli trasparenti.

.

Dall’alto Cupido alato scocca uno strale infuocato, mentre Mercurio, assorto, volgendo le spalle agli altri personaggi, tocca (indica? disperde?) le nuvole col caduceo (bastone con due serpenti attorcigliati intorno a esso).

I DUBBI

L’aver individuato tutti i soggetti presenti non ha tuttavia risolto la spiegazione del senso complessivo del dipinto ed infatti si è molto discusso sui seguenti punti:

– Qual è il vero significato dell’opera e cosa accomuna le nove figure?

– Perché la dea e le altre figure femminili sono tutte incinte?

ALCUNE TRA LE SPIEGAZIONI PIU’ ACCREDITATE

Il primo che tentò di risolvere il problema fu lo studioso tedesco Aby Warburg che ipotizzò anche un titolo più preciso per il dipinto “Regno di Venere”. Questo perché appaiono riunite figure mitologiche che generalmente sono associate alla dea, la quale è anche la divinità della primavera.

L’inglese Charles Dempsey, invece, ritenne che il quadro fosse la raffigurazione non solo della stagione primaverile, ma anche dei tre mesi di cui essa è composta: il mese dei venti, marzo, sarebbe simboleggiato da Zefiro-Cloris-Flora; Venere, Cupido e le Grazie alluderebbero ad aprile, il mese dell’amore; mentre Mercurio rappresenterebbe maggio, dato che il nome di tale mese derivò anticamente da quello di Maia, madre di Mercurio.

Altri studiosi hanno cercato figure storiche nascoste sotto i panni mitologici e così sono stati fatti i nomi di dame fiorentine per Flora e le tre Grazie.

Altri ancora hanno ipotizzato spiegazioni di tipo filosofico.

Il critico d’arte tedesco Erwin Panofsky, per esempio, ricordando i diversi tipi di Amore e le relative Veneri del Neoplatonismo, ha contrapposto la Venere celeste raffigurata nella “Nascita di Venere” – altro capolavoro del Botticelli – alla Venere terrena de “La Primavera”.

Lo storico dell’arte austriaco Ernst Gombrich, invece, ha interpretato il quadro come la raffigurazione della Venus-Humanitas, figura che il filosofo Marsilio Ficino raccomandava come guida spirituale in una lettera al giovane Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, probabile destinatario del quadro.

“La Primavera”, dunque, è la visualizzazione di un dogma filosofico?

E’ la rappresentazione di un ideale paradiso umanistico, immerso nella natura e abitato da un’umanità eternamente giovane e bella?

E’ la raffigurazione di un complesso messaggio simbolico?

Oppure rappresenta semplicemente – secondo un’opinione oggi poco seguita – una mascherata di giovani fiorentini in una festa dell’epoca?

Il mistero intorno a questo straordinario dipinto è ancora fitto.

UNA PERSONALE INTERPRETAZIONE

Botticelli

Riguardandolo ora di nuovo tutto insieme, a mio parere, il dipinto appare in modo evidente un inno al sorgere ed all’affermarsi della Primavera come quella bella stagione che, rompendo le rigidità e le oscurità invernali con il sorgere dei fiori e la rinascita della natura, prepara il trionfo dell’estate.

Nel rappresentar ciò il Botticelli utilizza i simboli della mitologia classica e, a conferma della mia interpretazione, attraverso l’immagine delle donne incinte egli esalta la primavera quale momento di “gestazione della natura” che darà presto tutti i suoi frutti… al sole dell’estate.

TONY KOSPAN

FONTI: VARI SITI WEB

carnaval 23

IL GRUPPO DI CHI AMA VIVER L’ARTE…

INSIEME

.

L’enigmatica Cappella Sansevero

è uno dei luoghi più visitati di Napoli,

e riscuote notevole interesse e grande curiosità

da oltre duecento anni.

E’ altresì considerata, da un sondaggio fatto

tra tutti coloro che hanno visitato dei musei,

il museo più amato d’Italia ed è pure presente

nella top ten dei musei europei.

LA CAPPELLA ED IL PRINCIPE DI SANSEVERO

ARTE E… MISTERI…

a cura di Tony Kospan

PRESENTAZIONE

Perché una piccola cappella suscita tanto interesse e tanta curiosità?

Perché visitarla è come fare 2 passi… nel mistero, 2 passi… nella grande arte, 2 passi… nella storia del ‘700 e 2 passi… . nel mondo umano e familiare di un geniale ed enigmatico principe ed alchimista… Raimondo de Sangro, Principe di Sansevero.

.

Pur essendo il tema apparentemente semplice, la biografia di un Principe e la descrizione di una piccola cappella, per la notevole complessità e quantità di aspetti artistici, storici, scientifici, alchemici, esoterici… etc… il post dovrà esser diviso in parecchie parti.

Inizieremo dunque col parlare qui, in breve, della vita del Principe per passare poi ad esaminare la Cappella e le sue opere d’arte, le diverse stranissime invenzioni del Principe e ci soffermeremo anche su alcuni suoi contatti con personaggi europei altrettanto noti e misteriosi.

Questa prima parte, che possiamo definire essenzialmente di presentazione e biografica, è forse la meno affascinante ma è assolutamente necessaria per meglio comprender tutto quanto vedremo e conosceremo dopo.

I PARTE

DISSERO DEL PRINCIPE DI SANSEVERO

Ecco cosa scrisse di lui Benedetto Croce:
“Ammazzò sette cardinali e con le loro ossa costruì sette seggiole, mentre con la pelle, opportunamente conciata, ricoprì i sedili”
– Benedetto Croce-Storie e leggende napoletane -.

Per la gente del luogo era invece una specie di stregone ed ancora secoli dopo, al solo nominarlo, molti si facevano il segno della croce.

Wikipedia però lo definisce così… semplicemente

“Raimondo di Sangro (Torremaggiore 30.1.1710 – Napoli 22.3.1771) fu il VII principe di San Severo e studioso napoletano”.

Ma chi era e da dove veniva in verità costui?

LA FAMIGLIA D’ORIGINE DEL PRINCIPE

I conti dei Marsi e di Sangro vantavano, come si può evincere dal loro stemma, una discendenza “borgognona” dallo stesso Carlo Magno.

Inoltre la famiglia dei Sangro era molto legata al potente Ordine Benedettino, ed aveva avuto nei suoi ranghi, oltre ad abati ed altissimi prelati, anche i santi Oderisio, Bernardo e Rosalia e ben 4 Papi erano stati loro parenti.

Innocenzo III (1198-1216), Gregorio IX (1227-1241), Paolo IV Carafa (1555-1559) e Benedetto XIII (1724-1730).

Il padre di Raimondo, Antonio di Sangro, fu personaggio poco limpido, libertino e molto controverso.

Accusato dell’omicidio del padre di una ragazza di Sansevero, che era contrario alla loro relazione, scappò a Vienna dichiarandosi innocente ma, dopo che la Magistratura, forse corrotta, archiviò il caso, tornò e fece uccidere il Sindaco di Sansevero che era stato il suo accusatore.

Scappò di nuovo… stavolta a Roma dove infine prese i voti e si ritirò in un convento.

BIOGRAFIA DEL PRINCIPE RAIMONDO

A causa di un genitore così scapestrato il ragazzo visse un’infanzia un po’ disorientata con i nonni paterni che a 10 anni lo mandarono a studiare dai Gesuiti a Roma dove brillò negli studi ed acquisì una grande cultura di cui poté far sfoggio quando, tornato a Napoli, primeggiò tra i Nobili dell’epoca che erano molto poco inclini al sapere ed alla cultura.

Ma le sue non furono solo conoscenze scolastiche in quanto si estesero anche ad altre discipline ed alle lingue straniere.

Già da studente mostrò le sue capacità inventive.

Infatti quando per uno spettacolo a scuola bisognava smontare presto il palco per consentire un successivo spettacolo equestre superò “primi Ingegneri e valentuomini” creando un palco che “coll’aiuto di alcuni argani e di alcune nascoste rote” spariva in breve tempo.

Tornato all’età di 20 anni a Napoli, divenuta sede principale della famiglia, già con il titolo di VII° Principe di Sansevero per la morte del nonno, sposò per procura la giovanissima cugina Carlotta Gaetani residente nelle Fiandre che conobbe però solo 6 anni dopo a causa delle continue guerre di quegli anni.

Per le sue conoscenze dell’arte militare divenne Colonnello del Reggimento Capitanata e nel 1744 mostrò il suo valore nella Battaglia di Velletri contro gli Austriaci e gli apprezzamenti del Re Carlo di Borbone.

Il Re alla Battaglia di Velletri contro gli Austriaci

Nel frattempo scriveva libri, che editava egli stesso nella tipografia che aveva fatto costruire negli scantinati del suo palazzo, frequentava le migliori Accademie letterarie e culturali dell’epoca ed approfondiva studi, ricerche ed esperimenti in materia chimica ed alchemica.

I suoi libri di chiaro stampo massonico venivano spesso censurati dalle Autorità ecclesiastiche mentre la sua tipografia stampava libri di vario genere che nessuno pensava di pubblicare in Italia.

Nel 1744 il Principe iniziò quello che oggi possiamo definire il suo capolavoro principale e cioè il restauro e la risistemazione della Cappella familiare, oggi nota in tutto il mondo come “Cappella Sansevero” per la qual cosa chiamò i più grandi (e costosi) artisti dell’epoca come vedremo in seguito.

Sempre nel 1744 si iscrisse alla Massoneria ed in breve scalò tutti i gradini della Loggia Napoletana divenendone il Gran Maestro.

Questi sono però anche gli anni in cui, per impulso del Re Carlo III di Borbone, avvengono grandi scoperte archeologiche nelle aree soprattutto di Pompei, Ercolano e Paestum.

Scoperte che per la loro straordinarietà rafforzarono negli adepti della Loggia le loro convinzioni esoteriche.

Ma Re Carlo III, suo amico, nel 1759 fu chiamato a regnare sulla Spagna per la morte del fratello maggiore e lasciò così il Regno delle due Sicilie al giovane ed inesperto Re Ferdinando IV.

Re Carlo III di Borbone

Quest’ultimo, su consiglio del Ministro della Real Casa (e suo nemico), Bernardo Tanucci, lo fece arrestare perché aveva affittato delle stanze del suo palazzo ad una bisca per pagare i debiti contratti con gli artisti e le maestranze che lavoravano per la Cappella.

Dopo qualche mese però, per le sue importanti ed aristocratiche amicizie, fu liberato.

La Cappella in una antica stampa

Allora il Principe, per risolvere una volta per tutte i problemi economici, fece sposare il primogenito con la principessa Gaetana Mirelli di ricca famiglia che gli portò una considerevole dote che, non solo gli consentì di non aver più debiti, ma anche di continuare l’opera di completamento di quella che possiamo definire… la ragione della sua vita.

I suoi ultimi anni li passò, oltre che nella cura della Cappella, suo amato gioiello, anche a studiare, a fare esperimenti ed ad inventare come vedremo più avanti.

Morì nel 1771

FINE DELLA I PARTE

continua…

Fonti: vari siti web e… conoscenza diretta (della cappella eh eh)

Immagini dal web

.

– Copyright: Tony Kospan

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Spesso gli artisti amano nascondere nelle loro opere

pensieri e/o messaggi segreti

che solo pochi poi riescono a individuare e comprendere in modo completo.

Nel periodo Rinascimentale la cosa era molto frequente.

Questo, nella Storia dell’Arte, è proprio uno dei dipinti

più emblematici in tal senso.

In verità ciò, a mio parere, non vuol dire

che bisogna conoscer tutto lo scibile umano

per comprender un’opera d’arte

ma solo che ci possono essere tante “letture”

quante sono le nostre capacità di comprensione

dello spirito e delle idee dell’autore

nonché dell’ambiente reale ed artistico in cui l’opera nasce.

ALLEGORIA DELL’AMORE E DEL TEMPO

– ARTE E SEGRETI –

I PARTE

Agnolo Bronzino

In questo post analizzeremo questo famoso dipinto “manierista” che nasconde, dietro la fantastica ed abbagliante bellezza molto, ma davvero molto…, molto altro.

Ogni immagine che vediamo nel dipinto infatti non è per nulla casuale… ma ci lancia in modo evidente una serie di messaggi, per la verità non tutti, e non del tutto, decifrati… o decifrabili.

Iniziamo dunque, grazie a quest’ampia analisi del Solimano, ricca anche di accenni storici e mitologici, ad approfondire tutto quello che il Bronzino ci vuol dire von questo dipinto.

Tony Kospan

L’Allegoria dell’Amore e del Tempo – Il dipinto completo

Il quadro più celebre di Agnolo Bronzino è “L’Allegoria dell’Amore e del Tempo“,

attualmente esposto alla National Gallery di Londra.

Fu eseguito attorno al 1546, ed immediatamente mandato da Cosimo, duca di Firenze,

a Francesco, re di Francia.

E’ certamente una allegoria, il titolo che ho riportato è quello più diffuso.

Così ne narra il Vasari: “Fece un quadro di singolare bellezza,

che fu mandato in Francia al re Francesco, dentro il quale era una Venere ignuda con Cupido che la baciava,

ed il Piacere da un lato e il Giuoco con altri Amori, e dall’altro la Fraude, la Gelosia et altre passioni d’amore”.

C’è qualche inesattezza, ma è comprensibile, il Vasari scriveva a memoria,

il quadro era già in Francia da diverso tempo.

Se si dovesse scegliere l’emblema del manierismo maturo non c’è alcun dubbio,

sarebbe questo quadro, considerato da molti un’opera di sensualità affascinante,

ed il re di Francia lo gradì soprattutto per questo motivo,

come ben sapeva quella volpe di Cosimo de’ Medici.

Ma è proprio così?

O, per meglio dire, è solo così?

Nel particolare che inserisco si vede un putto bellissimo che va spargendo petali di rose:

è il simbolo del Piacere, su questo sono tutti d’accordo, fin dal Vasari,

ma chi è la fanciulla assai bella – di una bellezza diversa – il cui volto si vede a fianco del putto?

Il grande Erwin Panofsky ha dedicato alcune delle sue pagine più belle a quest’opera.

Racconto quale è la sua interpretazione, oggi quasi* (nota di Tony Kospan) universalmente condivisa.

Il Piacere (partic. by TK)

La fanciulla il cui bel volto sbuca dietro il putto, è piuttosto strana,

se si cerca di guardarne il corpo, che in parte si nasconde sempre dietro il putto,

e non è un caso.

Perché la bella veste verde che indossa è in parte sollevata,

ed appare un corpo squamoso, da pesce o da rettile.

Più in basso, compariranno delle zampe con artigli ed anche una lunga coda.

In una mano tiene un favo di miele,

nell’altra cerca di nascondere un piccolo animale venefico.

Non solo, a ben guardare le due mani sono scambiate:

la destra è una sinistra, e la sinistra una destra.

Qualche critico, fermandosi alla pelle squamosa,

ha ritenuto che fosse una Arpia, ma sono le mani, a svelare l’identità:

la mano cattiva che offre il dono,

la mano buona che nasconde il veleno:

una duplicità vertiginosa.

E’ la Frode (anche l’Inganno o l’Ipocrisia, secondo gli iconologi del ’500),

la cui caratteristica fondamentale è proprio la duplicità:

per questo il viso è bellissimo ed il corpo orribile,

per questo le mani sono scambiate,

per questo non sta in primo piano, ma si nasconde dietro al putto,

che è il simbolo del Piacere e del Gioco.

Proprio negli anni in cui opera il Bronzino si diffonde il gusto dei labirinti:

grafici, scolpiti, realizzati nei giardini,

quasi a significare la perdita di senso, la difficoltà di trovare una risposta univoca:

la Frode è una moderna Sfinge, più insidiosa di quella che incontrò Edipo.

L’inganno – La fanciulla dietro al putto (guardate le mani n.T.K.)

Se si esamina il particolare in basso a destra del quadro del Bronzino,

si scoprono altri aspetti di cui alcuni inattesi.

Non lo è il pomo nella mano (splendida!) di Venere,

un dono che la dea intende offrire ad Amore o Cupido

(si badi, è suo figlio, in quasi tutti i miti, e quindi c’è pure il coté incestuoso);

tiene il pomo in modo che Cupido lo veda

– però con l’altra mano tiene una freccia, che Cupido non può vedere,

ma di ciò poi.

Si intravedono anche parte delle gambe della dea,

che è di una bellezza non so dire se divina o diabolica,

ed il Bronzino a questo voleva portarci, ad una ammirazione tanto forte quanto turbata.

Pomo, Gambe della dea e maschere (partic.)

Si vede che il putto ha una cavigliera ornata con campanelli,

un motivo dell’antichità ellenistica che rimanda al Piacere ed al Gioco.

Si intravedono anche le zampe con gli artigli della bella fanciulla,

la Frode, e la sua lunga coda, simile, diremmo noi,

a quella di un enorme serpente a sonagli,

che presumibilmente il Bronzino non conosceva (ma che strano, sonagli-campanelli!).

– Continua –

Autore del testo Solimano – Impaginazione e presentazione di Tony Kospan

LA TUA PAGINA SPECIALE

Spesso gli artisti amano nascondere nelle loro opere

pensieri e/o messaggi segreti

che solo pochi poi riescono a individuare e comprendere in modo completo.

Nel periodo Rinascimentale la cosa era molto frequente.

Questo, nella Storia dell’Arte, è proprio uno dei dipinti

più emblematici in tal senso.

In verità ciò, a mio parere, non vuol dire

che bisogna conoscer tutto lo scibile umano

per comprender un’opera d’arte

ma solo che ci possono essere tante “letture”

quante sono le nostre capacità di comprensione

dello spirito e delle idee dell’autore

nonché dell’ambiente reale ed artistico in cui l’opera nasce.

ALLEGORIA DELL’AMORE E DEL TEMPO

– ARTE E SEGRETI –

I PARTE

Agnolo Bronzino

In questo post analizzeremo questo famoso dipinto “manierista” che nasconde, dietro la fantastica ed abbagliante bellezza molto, ma davvero molto…, molto altro.

Ogni immagine che vediamo nel dipinto infatti non è per nulla casuale… ma ci lancia in modo evidente una serie di messaggi, per la verità non tutti, e non del tutto, decifrati… o decifrabili.

Iniziamo dunque, grazie a quest’ampia analisi del Solimano, ricca anche di accenni storici e mitologici, ad approfondire tutto quello che il Bronzino ci vuol dire von questo dipinto.

Tony Kospan

L’Allegoria dell’Amore e del Tempo – Il dipinto completo

Il quadro più celebre di Agnolo Bronzino è “L’Allegoria dell’Amore e del Tempo“,

attualmente esposto alla National Gallery di Londra.

Fu eseguito attorno al 1546, ed immediatamente mandato da Cosimo, duca di Firenze,

a Francesco, re di Francia.

E’ certamente una allegoria, il titolo che ho riportato è quello più diffuso.

Così ne narra il Vasari: “Fece un quadro di singolare bellezza,

che fu mandato in Francia al re Francesco, dentro il quale era una Venere ignuda con Cupido che la baciava,

ed il Piacere da un lato e il Giuoco con altri Amori, e dall’altro la Fraude, la Gelosia et altre passioni d’amore”.

C’è qualche inesattezza, ma è comprensibile, il Vasari scriveva a memoria,

il quadro era già in Francia da diverso tempo.

Se si dovesse scegliere l’emblema del manierismo maturo non c’è alcun dubbio,

sarebbe questo quadro, considerato da molti un’opera di sensualità affascinante,

ed il re di Francia lo gradì soprattutto per questo motivo,

come ben sapeva quella volpe di Cosimo de’ Medici.

Ma è proprio così?

O, per meglio dire, è solo così?

Nel particolare che inserisco si vede un putto bellissimo che va spargendo petali di rose:

è il simbolo del Piacere, su questo sono tutti d’accordo, fin dal Vasari,

ma chi è la fanciulla assai bella – di una bellezza diversa – il cui volto si vede a fianco del putto?

Il grande Erwin Panofsky ha dedicato alcune delle sue pagine più belle a quest’opera.

Racconto quale è la sua interpretazione, oggi quasi* (nota di Tony Kospan) universalmente condivisa.

Il Piacere (partic. by TK)

La fanciulla il cui bel volto sbuca dietro il putto, è piuttosto strana,

se si cerca di guardarne il corpo, che in parte si nasconde sempre dietro il putto,

e non è un caso.

Perché la bella veste verde che indossa è in parte sollevata,

ed appare un corpo squamoso, da pesce o da rettile.

Più in basso, compariranno delle zampe con artigli ed anche una lunga coda.

In una mano tiene un favo di miele,

nell’altra cerca di nascondere un piccolo animale venefico.

Non solo, a ben guardare le due mani sono scambiate:

la destra è una sinistra, e la sinistra una destra.

Qualche critico, fermandosi alla pelle squamosa,

ha ritenuto che fosse una Arpia, ma sono le mani, a svelare l’identità:

la mano cattiva che offre il dono,

la mano buona che nasconde il veleno:

una duplicità vertiginosa.

E’ la Frode (anche l’Inganno o l’Ipocrisia, secondo gli iconologi del ’500),

la cui caratteristica fondamentale è proprio la duplicità:

per questo il viso è bellissimo ed il corpo orribile,

per questo le mani sono scambiate,

per questo non sta in primo piano, ma si nasconde dietro al putto,

che è il simbolo del Piacere e del Gioco.

Proprio negli anni in cui opera il Bronzino si diffonde il gusto dei labirinti:

grafici, scolpiti, realizzati nei giardini,

quasi a significare la perdita di senso, la difficoltà di trovare una risposta univoca:

la Frode è una moderna Sfinge, più insidiosa di quella che incontrò Edipo.

L’inganno – La fanciulla dietro al putto (guardate le mani n.T.K.)

Se si esamina il particolare in basso a destra del quadro del Bronzino,

si scoprono altri aspetti di cui alcuni inattesi.

Non lo è il pomo nella mano (splendida!) di Venere,

un dono che la dea intende offrire ad Amore o Cupido

(si badi, è suo figlio, in quasi tutti i miti, e quindi c’è pure il coté incestuoso);

tiene il pomo in modo che Cupido lo veda

– però con l’altra mano tiene una freccia, che Cupido non può vedere,

ma di ciò poi.

Si intravedono anche parte delle gambe della dea,

che è di una bellezza non so dire se divina o diabolica,

ed il Bronzino a questo voleva portarci, ad una ammirazione tanto forte quanto turbata.

Pomo, Gambe della dea e maschere (partic.)

Si vede che il putto ha una cavigliera ornata con campanelli,

un motivo dell’antichità ellenistica che rimanda al Piacere ed al Gioco.

Si intravedono anche le zampe con gli artigli della bella fanciulla,

la Frode, e la sua lunga coda, simile, diremmo noi,

a quella di un enorme serpente a sonagli,

che presumibilmente il Bronzino non conosceva (ma che strano, sonagli-campanelli!).

– Continua –

Autore del testo Solimano – Impaginazione e presentazione di Tony Kospan

LA TUA PAGINA SPECIALE

Come abbiamo già accennato parlando di altri mitici dipinti rinascimentali,

essi hanno spesso molteplici letture dato che nascondono, sotto la loro sublime bellezza,

messaggi di ogni tipo che solo i contemporanei con una certa cultura,

o dello stesso ambiente del pittore, potevano comprendere.

Quello di cui ora vi parlerò è proprio uno di questi.

.

MARTE E VENERE

.

ARTE E SEGRETI

a cura di Tony Kospan

Il dipinto è del 1483 circa.

Lo ritroviamo però solo nel 1865, anno in cui fu venduto a Firenze a sir Alexander Barker e dopo qualche anno, nel 1874, entrò a far parte della National Gallery di Londra… dove è ancora conservato.

Forse fu commissionato dai Vespucci (si notino piccole vespe nel dipinto) per ornare la spalliera della camera nuziale.

.

Venere e Marte

.

E’ uno di quei dipinti in cui il Botticelli si è maggiormente dilettato nell’inserire nascoste chiavi simboliche.

Leggiamo la scena del dipinto come ci appare: Venere, la dea dell’Amore, salda e forte osserva Marte, dio della guerra, stanco ed addormentato mentre piccoli satiri giocano con le armi… che ora non servono di certo… ed i cui rumori non ridestano il dio dal suo stato di abbandono.

Come per molte opere rinascimentali il significato preciso non è unanimamente riconosciuto… ma le interpretazioni non mancano di certo.

Venere e Marte – Partic. centrale con satiro

.

Ecco le interpretazioni più diffuse…

– La prima, e quella che a prima vista appare la più semplice, ci dice che il dipinto rappresenta Marte stanco morto dopo le fatiche… dell’amore…

– Una seconda interpretazione parte dall’abbandono… dal sonno… di Marte dovuto al dolce effetto della bellezza di Venere… con ciò volendo dire che davanti all’amore la guerra… il conflitto si ferma…

L’amore dunque sarebbe sempre vincente nei confronti della guerra.

Pertanto si tratterebbe di un’opera pacifista… classicamente e filosoficamente pacifista.

– Una terza è quella del critico Plunkett secondo cui il dipinto descrive in pieno un brano di Luciano di Samosata relativo alle Nozze di Alessandro e Rossane, in cui alcuni amorini giocavano con la lancia e l’armatura del condottiero. .

– Una quarta interpretazione fa risalire l’opera ad un’ispirazione nata dal “DE RERUM NATURA” nel senso che l’opera simboleggerebbe la superiorità dei beni e sentimenti semplici e durevoli su quelli dinamici e poco durevoli.

.

Venere – Partic.

.

**Il titolo dell’opera “De rerum natura“ del poeta latino Tito Lucrezio Caro vuol dire “Sulla natura delle cose”.**

In esso sono rappresentate concezioni, per lo più epicuree, con le quali si tende a preservare gli uomini dalle insidie delle passioni.

Il brano del libro, dedicato a Venere, a cui l’opera del Botticelli farebbe riferimento sarebbe proprio il seguente:

.

“Poiché tu solamente governi la natura delle cose,

e nulla senza di te può sorgere alle divine regioni della luce,

nulla senza te prodursi di lieto e di amabile,

desidero di averti compagna nello scrivere i versi

che intendo comporre sulla natura di tutte le cose,

per la prole di Memmio diletta, che sempre tu, o dea,

volesti eccellesse di tutti i pregi adornata.

Tanto più concedi, o dea, eterna grazia ai miei detti.

E fa che intanto le feroci opere della guerra

Per tutti i mari e le terre riposino sopite.

Infatti tu sola puoi gratificare i mortali con una tranquilla pace,

poiché le crudeli azioni guerresche governa Marte

possente in armi, che spesso rovescia il capo nel tuo grembo,

vinto dall’eterna ferita d’amore,

e così mirandoti con il tornito collo reclino, in te, o dea,

sazia anelante d’amore gli avidi occhi,

e alla tu bocca è sospeso il respiro del dio supino.

Quando egli, o divina, riposa sul tuo corpo santo,

riversandoti su di lui effondi dalle labbra soavi parole

e chiedi, o gloriosa, una placida pace per i Romani”

.

.

.

Marte (partic. by T.K.)

.

– Una quinta interpretazione infine vede nell’opera il significato allegorico del matrimonio.

Matrimonio concepito come istituzione in cui la forza maschile (Marte) si abbandona alla bellezza ed alla dolcezza femminile (Venere).

.

Venere, in questo periodo, è vista dalla cultura e dalle arti in modo più neoplatonico che carnale…

come ad es. la Venere della sua mitica Primavera.

.

La Venere del Botticelli nella famosa ” Primavera”

.

Certo è, che l’epoca in cui fu dipinto, è proprio quella del massimo interesse e della massima passione (e da certi particolari anche con un certo divertimento) per le allegorie da parte degli artisti… soprattutto fiorentini ed in particolare… del Botticelli e del Bronzino.

.

Botticelli – Autoritratto

.

A tal proposito basti pensare all’ancor più famosa opera del Botticelli… L’ALLEGORIA DELLA PRIMAVERA… di cui abbiamo parlato poco tempo fa.

.

Se ci va, se ce la sentiamo, perché no, proviamo anche noi a dire la nostra, su questo intrigante dipinto.

.

Ciao da Tony Kospan

.

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E… SE… TI PIACE… I S C R I V I T I

Come abbiamo già accennato parlando di altri mitici dipinti rinascimentali,

essi hanno spesso molteplici letture dato che nascondono, sotto la loro sublime bellezza,

messaggi di ogni tipo che solo i contemporanei con una certa cultura,

o dello stesso ambiente del pittore, potevano comprendere.

Quello di cui ora vi parlerò è proprio uno di questi.

.

MARTE E VENERE

.

ARTE E SEGRETI

a cura di Tony Kospan

Il dipinto è del 1483 circa.

Lo ritroviamo però solo nel 1865, anno in cui fu venduto a Firenze a sir Alexander Barker e dopo qualche anno, nel 1874, entrò a far parte della National Gallery di Londra… dove è ancora conservato.

Forse fu commissionato dai Vespucci (si notino piccole vespe nel dipinto) per ornare la spalliera della camera nuziale.

.

Venere e Marte

.

E’ uno di quei dipinti in cui il Botticelli si è maggiormente dilettato nell’inserire nascoste chiavi simboliche.

Leggiamo la scena del dipinto come ci appare: Venere, la dea dell’Amore, salda e forte osserva Marte, dio della guerra, stanco ed addormentato mentre piccoli satiri giocano con le armi… che ora non servono di certo… ed i cui rumori non ridestano il dio dal suo stato di abbandono.

Come per molte opere rinascimentali il significato preciso non è unanimamente riconosciuto… ma le interpretazioni non mancano di certo.

Venere e Marte – Partic. centrale con satiro

.

Ecco le interpretazioni più diffuse…

– La prima, e quella che a prima vista appare la più semplice, ci dice che il dipinto rappresenta Marte stanco morto dopo le fatiche… dell’amore…

– Una seconda interpretazione parte dall’abbandono… dal sonno… di Marte dovuto al dolce effetto della bellezza di Venere… con ciò volendo dire che davanti all’amore la guerra… il conflitto si ferma…

L’amore dunque sarebbe sempre vincente nei confronti della guerra.

Pertanto si tratterebbe di un’opera pacifista… classicamente e filosoficamente pacifista.

– Una terza è quella del critico Plunkett secondo cui il dipinto descrive in pieno un brano di Luciano di Samosata relativo alle Nozze di Alessandro e Rossane, in cui alcuni amorini giocavano con la lancia e l’armatura del condottiero. .

– Una quarta interpretazione fa risalire l’opera ad un’ispirazione nata dal “DE RERUM NATURA” nel senso che l’opera simboleggerebbe la superiorità dei beni e sentimenti semplici e durevoli su quelli dinamici e poco durevoli.

.

Venere – Partic.

.

**Il titolo dell’opera “De rerum natura“ del poeta latino Tito Lucrezio Caro vuol dire “Sulla natura delle cose”.**

In esso sono rappresentate concezioni, per lo più epicuree, con le quali si tende a preservare gli uomini dalle insidie delle passioni.

Il brano del libro, dedicato a Venere, a cui l’opera del Botticelli farebbe riferimento sarebbe proprio il seguente:

.

“Poiché tu solamente governi la natura delle cose,

e nulla senza di te può sorgere alle divine regioni della luce,

nulla senza te prodursi di lieto e di amabile,

desidero di averti compagna nello scrivere i versi

che intendo comporre sulla natura di tutte le cose,

per la prole di Memmio diletta, che sempre tu, o dea,

volesti eccellesse di tutti i pregi adornata.

Tanto più concedi, o dea, eterna grazia ai miei detti.

E fa che intanto le feroci opere della guerra

Per tutti i mari e le terre riposino sopite.

Infatti tu sola puoi gratificare i mortali con una tranquilla pace,

poiché le crudeli azioni guerresche governa Marte

possente in armi, che spesso rovescia il capo nel tuo grembo,

vinto dall’eterna ferita d’amore,

e così mirandoti con il tornito collo reclino, in te, o dea,

sazia anelante d’amore gli avidi occhi,

e alla tu bocca è sospeso il respiro del dio supino.

Quando egli, o divina, riposa sul tuo corpo santo,

riversandoti su di lui effondi dalle labbra soavi parole

e chiedi, o gloriosa, una placida pace per i Romani”

.

.

.

Marte (partic. by T.K.)

.

– Una quinta interpretazione infine vede nell’opera il significato allegorico del matrimonio.

Matrimonio concepito come istituzione in cui la forza maschile (Marte) si abbandona alla bellezza ed alla dolcezza femminile (Venere).

.

Venere, in questo periodo, è vista dalla cultura e dalle arti in modo più neoplatonico che carnale…

come ad es. la Venere della sua mitica Primavera.

.

La Venere del Botticelli nella famosa ” Primavera”

.

Certo è, che l’epoca in cui fu dipinto, è proprio quella del massimo interesse e della massima passione (e da certi particolari anche con un certo divertimento) per le allegorie da parte degli artisti… soprattutto fiorentini ed in particolare… del Botticelli e del Bronzino.

.

Botticelli – Autoritratto

.

A tal proposito basti pensare all’ancor più famosa opera del Botticelli… L’ALLEGORIA DELLA PRIMAVERA… di cui abbiamo parlato poco tempo fa.

.

Se ci va, se ce la sentiamo, perché no, proviamo anche noi a dire la nostra, su questo intrigante dipinto.

.

Ciao da Tony Kospan

.

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E… SE… TI PIACE… I S C R I V I T I

Lo stile del Caravaggio,

benché risenta dello stile rinascimentale

e si avvicini al nascente barocco,

apparve all’epoca una pittura sconvolgente

per l’estrema ed inconsueta umanità delle figure dipinte.

I critici sono oggi concordi sul fatto che

invece di sublimare il divino
egli amava sublimare l’umano

per portarlo al divino.

Emblematica di questa sua sorprendente visione dell’arte

è certamente l’opera che oggi ripropongo

per le sue inusuali e significative caratteristiche.

LA MADONNA DEI PELLEGRINI DEL CARAVAGGIO

ARTE ATMOSFERE E SEGRETI

a cura di Tony Kospan

Un dipinto che allora diede addirittura scandalo…

Particolare

.

Se lo osserviamo con attenzione,

potremo scoprire alcuni aspetti che possono sfuggire

ad un rapido sguardo e capiremo il perché…

Questo dipinto, certamente sorprendente,

è però nel contempo rappresentativo

del modo di sentire e di pensare del Caravaggio.

Milano 29 9 1571 – Porto Ercole 18 7 1610

Una delle principali caratteristiche dell’arte caravaggesca

è quella di dipingere persone ed oggetti

molto noti e molto vicini a quelli che il popolo conosceva.

Madonna dei Pellegrini o di Loreto (partic.)

Il dipinto ad olio su tela, datato intorno al 1605, si trova nella Chiesa dei Pellegrini a pochi passi da Piazza Navona a Roma e presenta, come dicevo su, alcune notevoli curiosità che val la pena conoscere.

Chiesa dei Pellegrini

La prima riguarda la chiesa stessa che nel ‘400 era l’unica in cui erano ammesse le procaci cortigiane dell’epoca come Beatrice Ferrara, Tullia d’Aragona e la Fiammetta amante di Cesare Borgia… che anzi avevano addirittura dei banchi a loro riservati.

Piazza Navona in un’antica stampa

Di tale strana consuetudine è stata ormai cancellata ogni traccia tranne una… appunto la Madonna dei Pellegrini… capolavoro del Caravaggio.

E’ certo poi che la modella che prestò il volto alla Madonna fosse Maddalena Antognetti che secondo alcuni era amante di nobili e cardinali e per altri anche dello stesso Caravaggio e che poserà anche per la Madonna dei Palafrenieri.

Maddalena Antognetti

Il dipinto all’epoca destò grande scandalo come leggiamo in una nota dell’epoca del Baglione “ne fu fatto dai preti e da’ popolani estremo schiamazzo”.

I motivi sono quelli che elenco ora in breve e che possiamo verificare noi stessi con una semplice ma accurata osservazione del dipinto:

GLI ASPETTI SORPRENDENTI DEL DIPINTO

– L’ambientazione poco elegante della scena… La casa appare cadente, con l’intonaco scrostato e la Madonna è sulla porta.

– Il vestito popolano della Madonna che inoltre non appare in trono e non ha corona.

– L’inconsueta grandezza del Bambino… che in verità appare quasi un ragazzino.

– i vestiti molto sdruciti dei pellegrini … e, dulcis in fundo, i loro piedi sporchi e gonfi.

Il tutto è mostrato in bella evidenza ed estremo realismo dal Caravaggio che pertanto mostra di non aver problemi a mostrare il suo spirito indipendente e controcorrente.

UNA PERSONALE CONCLUSIONE

Il capolavoro va visto però come esaltazione e non come critica delle fede come a prima vista si potrebbe pensare.

Ma certo la fede di cui ci vuol parlare il Caravaggio non è quella paludata e formale ma assolutamente interiore e vicina alla vera essenza del Cristianesimo (cosa che appare oggi finalmente tornare in auge anche se con molta difficoltà nonostante l’impegno di Papa Francesco).

L’opera (così come molte altre sue opere), fu quindi frutto di un’intuizione geniale e cioè quella di voler mostrare una sua visione umana e “terrestre” della religione ed auspicare un suo allontanamento dai lussi, dai fasti, dai formalismi e dai trionfalismi allora imperanti.

Informazioni, immagini e spunti da vari siti web

Ciao da Tony Kospan

IL GRUPPO DI CHI AMA L’ARTE FIGURATIVA

(PITTURA, SCULTURA, FOTOGRAFIA E CINEMA)

Particolare del Bacco ma in realtà suo autoritratto