L’ORANGERIE – LA CAPPELLA SISTINA DELL’IMPRESSIONISMO
Sono pochi i luoghi che possiamo considerare dedicati all’esaltazione di una corrente artistica… e l’Orangerie è uno di questi… e, riguardo all’Impressionismo, è un assoluto “unicum”.
COME NASCE E COS’E’
Siamo alla fine della 1° Guerra Mondiale, Monet, il più impressionista di tutti gli impressionisti, ed anche il più grande paesaggista tra gli impressionisti, stava dipingendo enormi tele con tema “Ninfee”, uno dei suoi temi preferiti, per donarle allo Stato Francese.
Monet l’aveva prima studiata “en plein air” ma poi l’aveva realizzata in atelier.
Monet alle prese con le Ninfee
L’ex politico Georges Clémenceau, grande amico di Monet, suggerì che i grandi quadri fossero installati nelle sale da poco disponibili dell’Orangerie, edificio costruito nel 1852 per ospitare gli alberi di arance (da qui il suo nome) del vicino giardino delle Tuileries e poi destinato nel tempo a vari usi, soprattutto di rappresentanza.
L’imponente opera di Monet costituita da 8 pannelli di due metri di altezza e di una lunghezza totale di 91 metri venne quindi esposta (con un processo di incollatura delle tele direttamente al muro) in due stanze ovali che formano il segno dell’infinito.
L’illuminazione di queste 2 stanze avviene solo grazie a delle finestre, secondo la volontà del pittore, per immergere il visitatore in uno “stato di grazia”.
VISITIAMOLA
L’impressione che il visitatore ha, entrando in queste 2 sale, è di trovarsi dinanzi ad un’unica pittura continua e nel contempo d’essere totalmente immerso nella natura.
Gli potrà sembrare di trovarsi seduto in una barchetta circondata da ninfee al centro di uno stagno e poi, per vedere e capire meglio, si muoverà proprio come se si trovasse calato realmente nel paesaggio lacustre.
Monet, con i suoi colori e le sue luci, imita in modo perfetto la realtà, non realisticamente ma sensorialmente, anticipando quelle che saranno le linee del futuro astrattismo.
BREVE RIFLESSIONE
Era impensabile che un’arte nata per raccontare piccole scene borghesi, di vita quotidiana, di umane impressioni e destinata ad arredare i salotti realizzasse un’enorme opera come questa di Monet.
Però ciò è inaspettatamente avvenuto al punto che queste 2 sale ovali unite nel simbolo dell’infinito furono definite da André Masson “La Cappella Sistina” dell’Impressionismo.
Esse infatti rappresentano la più alta e la più monumentale espressione artistica di questa corrente.
Tony Kospan
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Dopo aver descritto la biografia del Principe ed aver esaminato le più importanti ed incredibili opere d’arte della sua mitica e misteriosa Cappella Sansevero (Cristo Velato, Pudicizia e Disinganno) continuiamo la sua visita e veniamo a conoscere altre opere che non possono certo definirsi arte… ma che certamente fanno parte dei molteplici, e spesso arcani, interessi del Principe.
Nella cripta della cappella si conservano in un armadio e sono visibili due scheletri, uno di sesso maschile e l’altro di sesso femminile, molto particolari definiti… ‘macchine anatomiche‘.
In realtà sono modelli anatomici che mostrano con ottima precisione tutto l’apparato circolatorio umano.
Benché le loro immagini siano molto diffuse e facilmente visibili nel web consiglio alle persone molto sensibili di non procedere oltre per evitare turbamenti.
Chi le ha “costruite”?
Sull’autore delle “macchine” non ci sono dubbi, è il medico palermitano Giuseppe Salerno.
Si ignorano però le circostanze del loro arrivo nella Cappella.
Ci sono infatti 2 versioni: una parla di un loro acquisto fatto dal principe e l’altra di un incarico dato al Salerno per la loro realizzazione.
Cosa sono?
L’aspetto un po’ inquietante delle “macchine” ha fatto sorgere nel tempo una marea di congetture popolari molto fantasiose ed alcune, come quella della loro creazione con l’iniezione (ma le siringhe non erano ancora state inventate) di metalli liquidi nelle vene di 2 persone vive, presentano addirittura aspetti un po’ macabri.
Altre congetture affermavano che esse erano il risultato di una fallita mummificazione che avrebbe lasciato visibili solo arterie e vene.
Prima di darvi la corretta (e scientifica) soluzione sulle modalità della loro creazione osserviamole nei particolari.
Si tratta di due corpi umani, meglio dire scheletri, dei quali si possono osservare arterie, vene e capillari.
Lo scheletro della donna ha il braccio destro alzato ed i bulbi oculari interi ed oltre al fittissimo sistema arterioso e venoso presenta anche gli organi più importanti.
Il cuore è intero e nella bocca si possono vedere persino i vasi sanguigni della lingua.
La donna era incinta: si può notare la placenta aperta ed un tempo era presente anche il feto, che però è stato rubato.
Il corpo dell’uomo ha più o meno le stesse caratteristiche. Le braccia, però, in questo caso scendono lungo il tronco.
Il Principe, appassionato tra l’altro di anatomia e di occultismo come abbiamo visto nelle parti precedenti, così le descrisse in una nota stampata nel 1766:
“si veggono due Macchine Anatomiche, o, per meglio dire, due scheletri d’un Maschio, e d’una femmina, ne’ quali si osservano tutte le vene,
e tutte le arterie de’ Corpi umani, fatte per iniezione, che, per essere tutt’intieri, e, per la diligenza, con cui sono stati lavorati, si possono dire singolari in Europa”.
Già queste sue parole “macchine ” e “diligente lavorazione” possono darci dei suggerimenti sulla loro composizione.
I risultati degli accertamenti scientifici.
2 recenti analisi, quella del 2008 dell’University College London e quella del 2014 di un gruppo di medici dell’Ospedale San Gennaro di Napoli hanno affermato che si tratta sì di scheletri autentici ma che il sistema circolatorio è fittizio e costituito da filo metallico, cera colorata e fibre di seta con le tecniche artigianali usate dagli studiosi di anatomia dell’epoca.
Se poi pensiamo che lo scheletro della donna era in principio su una pedana girevole che ne consentiva la visione completa questo ci fa capire come il Principe avesse voluto queste “macchine anatomiche”, così da lui stesso definite, sia come oggetto di studio scientifico che per il suo piacere di destare meraviglia nei visitatori della Cappella.
Proseguiremo in altro post la conoscenza del Principe e della Cappella con l’elenco delle sue invenzioni e scopriremo i suoi rapporti con un altro famoso principe dell’alchimia del ‘700.
Tutti noi che amiamo i dipinti che ci emozionano, ci colpiscono, ci entusiasmano talvolta avremmo voglia di far visita all’atelier dei loro creatori, e magari vederli al lavoro mentre creano una nuova opera d’arte.
E’ solo dal ‘600 che lo studio dell’artista diventa anch’esso oggetto e soggetto di un dipinto a partire dalle opere di Velazquez e Vermeer fino a giungere a quelle di Picasso.
Osservare lo studio di un artista ci consente di entrare nel suo mondo ed osservare le cose che ama, il suo modo di lavorare e talvolta perfino di “leggere” la sua biografia.
Eccezionale ed emblematico di quest’ultimo aspetto è il dipinto di cui di cui parlerò ora.
L’AUTORE
Pierre Subleyras, era un tranquillo giovane pittore francese quando, nel 1727 vinceva un premio, creato dal ministro francese Colbert, dedicato a giovani artisti.
Il premio consisteva in un viaggio a Roma per conoscere le mitiche opere d’arte, rinascimentali e non solo, italiane.
Qui, giunto nel 1728, il nostro riusciva a diventare il ritrattista del papa e ad entrare nei più importanti circoli artistici capitolini ed anche a sposare una celebre miniaturista figlia di un famoso violinista dell’epoca.
Pierre è stato dunque un artista di grande successo… ma abbastanza breve è stata la sua vita.
La sua fama, notevolissima nel ‘700, però si è molto diradata nei secoli successivi, salvo una rivalutazione avvenuta negli ultimi decenni del secolo scorso.
Qualche tempo prima di lasciare questo mondo (presagio?) decise di ritrarre il proprio atelier, ma, come ora vedremo, il dipinto ci rivela molto, molto di più.
L’ATELIER
L’atelier, dipinto del 1740/41 e conservato presso l’Accademia delle Belle Arti di Vienna, appare illuminato da candele e pieno di opere d’arte che affollano le pareti e non solo.
Colpisce sulla destra in alto una lunghissima scala appoggiata ad una parete che gli serviva per sistemare calchi, gessi e statuette sul cornicione, ma anche la pulizia (inconsueta per un pittore) del pavimento.
Vi sono poi copie, in formato ridotto, di statue famose, alcune sul tavolo e quella di Ercole Farnese a terra in basso, ma anche riproduzioni di dipinti di altri pittori da lui amati.
Ma vi sono poi anche molte sue opere accompagnate da 4 autoritratti che veniamo ora ad identificare.
In basso al centro lo vediamo bambino che dipinge con una matita ed a fianco eccolo giovane artista da poco arrivato a Roma.
A sinistra giù lo vediamo poi maturo trentacinquenne in un dipinto che lui stesso, ormai ultraquarantenne, tiene in mano.
In realtà sembra che i suoi autoritratti siano cinque in quanto sul retro ne sarebbe stato recentemente scoperto un altro che lo mostrerebbe con una matita in bocca.
Non ho trovato in internet quest’ultima immagine (forse una miniatura o uno studio preparatorio) ma la descrizione ci porta a questo suo noto autoritratto, dello stesso periodo, che corrisponde perfettamente ma che si trova altrove (Versailles – Museo del Castello).
Pierre Subleyras (Saint-Gilles, 25.11.1699 – Roma, 28.5.1749) (partic.)
CONCLUSIONE
L’enorme ricchezza e varietà di temi (tutti però relativi all’autore) che vediamo nel dipinto appare un’ampia e mirabile sintesi di tutto il suo mondo artistico.
In esso sono con cura evidenziate sia le opere create da altri che quelle sue personali.
Oggetti, sculture e dipinti rivelano le sue passioni ed in esse coesistono l’arte antica, il rinascimento ed il barocco.
Infine i suoi 4 autoritratti dipinti nei vari momenti della sua vita completano questo “dipinto autobiografico” a 360 gradi.
Egli dunque con questo dipinto racconta, innanzitutto a se stesso, ma anche a noi tutti, l’intera sua vita di artista.
Siamo pronti a fare insieme,
e comodamente seduti,
un piccolo viaggio nella storia dell’arte…
tutto immerso nei fiori?
Astolfo Petrazzi – Allegoria dell’estate
I FIORI NELL’ARTE
Dal Seicento a Van Gogh
La Fiasca fiorita (Cagnacci o Caravaggio)
La Fiasca fiorita è considerata una della più belle natura morte di tutti i tempi.
L’opera rappresenta ancor oggi un enigma, in quanto nessun studioso è riuscito a scioglierne il mistero dell’attribuzione.
Molti i nomi in campo, più vicini alla realtà restano Caravaggio e Cagnacci.
Unico fatto certo è che si tratta di un quadro eseguito da un maestro della pittura.
Brueghel – Ghirlanda di fiori
Il criterio da me utilizzato nella scelta di questi dipinti è stato il rilievo che l’elemento floreale assume nel dipinto che deve esser eguale se non superiore al resto della figura.
Gregory Frank Harris – Tra le rose
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Questo originale approccio metodologico, la storia della pittura vista attraverso i fiori, partendo dal naturalismo caravaggesco di fine ‘500 fino all’affermazione della modernità con Van Gogh è stato già utilizzato in diverse recenti mostre tenutesi in Italia ed altrove.
Eugène Delacroix – Il cesto di fiori
Nel corso dei secoli, i quadri di fiori o i quadri di figura, dove l’elemento floreale assume un rilievo simbolico hanno raggiunto spesso un’intensità ed un’originalità estetica assai elevata.
Otto Scholderer – La composizione floreale
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A testimoniarlo i capolavori di Caravaggio, Cagnacci, Gentileschi, Dolci e altri grandi pittori che hanno eccezionalmente dipinto quadri di fiori, ma anche di Rembrandt, ad esempio, quando ritrae la moglie come Flora.
David Burliuk
L’osservazione di tante belle opere floreali potrebbe forse aiutarci se non a risolvere, almeno ad avvicinarci al mistero ancora racchiuso nella straordinaria bellezza della Fiasca fiorita.
Louis Marie de Schryver – Il carrettino dei fiori
Paul Cézanne – Frutta e vaso di fiori
Jean Baptiste Robie
Sidney Harold Meteyard – Fiori di melo
L’arte floreale è presente anche nel soprannome “Mario de’ Fiori” di questo artista romano molto apprezzato nelle Corti Europee del ‘600
Mario Nuzzi detto Mario de’ Fiori – Autoritratto con valletto e fiori
Mario Nuzzi e Lauri – La Primavera
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E se nel ‘700 il tema floreale sembra perder importanza, nel secolo successivo se ne registra una forte e decisiva ripresa.
Mentre però molti specialisti riducono la loro pittura di fiori ad una produzione altamente specifica e inevitabilmente commerciale, sono invece i protagonisti dei maggiori movimenti (dal Romanticismo al Realismo, dall’Impressionismo al Simbolismo) a riprendere questo genere dandogli nuovi significati e nuove valenze.
Monet
Jean-Francois Millet – Il bouquet di margherite
Artisti come Hayez, Delacroix, Courbet, Manet, Monet, Cezanne, Renoir, De Nittis, Boldini, Zandomeneghi, Klimt, Van Gogh e Previati si sono applicati nel dipingere fiori
Hayez – Fiori
Van Gogh – Iris
Van Gogh – Ramo di mandorlo in fiore
ispirandosi però alla volontà più moderna di scardinare gli schematismi seicenteschi unendo a nuove valenze simboliche la magia della pura visione dell’occhio dell’artista che registra le impressioni della natura fino a creare una realtà superiore, quella dell’arte.
Van Gogh – Vaso con girasoli
Ovviamente le immagini qui proposte non esauriscono, neanche lontanamente il mondo dell’arte dei fiori.
Il post però non finisce qua!
Infatti nel video che segue, dedicato anch’esso ai fiori nell’arte, possiamo ammirare tantissimi altri dipinti.
E’ il bellissimo e famosissimo video “Duetto dei Fiori” con immagini floreali di pittori fiamminghi del XVII sec. e musica classica, scomparso dal web, ma per fortuna ritrovato anche se con diverso titolo.
Buona visione.
Se vi va, dite quale dipinto floreale vi piace di più.
Paolo Uccello – Miracolo dell’ostia profanata – 4° scena
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Il suo vero nome è Paolo di Dono, ovvero Paolo Doni,
ma è noto a tutti come Paolo Uccello.
Su di lui, nel corso dei secoli ha pesato il giudizio bivalente
del Vasari che, pur apprezzando l’eleganza dei suoi dipinti,
lo criticava per l’eccessiva presenza di aspetti prospettici.
Pratovecchio 15.6.1397 – Firenze 10.12.1475
Il nome d’arte Paolo Uccello, sempre secondo il Vasari
sarebbe nato per la sua passione per la pittura di animali
ed in particolare di uccelli ed aggiungeva,
con un pizzico di cattiveria..
“dato che non poteva permettersi di averli realmente“.
Tebaide
BREVISSIMA BIOGRAFIA
Poco si sa dei suoi inizi salvo che fu nella bottega
di Lorenzo Ghiberti.
Dopo un primo periodo veneziano lavorò quasi sempre a Firenze
con intervalli lavorativi a Prato, Padova ed Urbino.
2 Angeli e 2 diavoli
(Notare il gioco delle prospettive N.T.K.)
BREVISSIMA ANALISI
Pittore della generazione di Masaccio e di Brunelleschi
amò molto il rigore prospettico
e la plasticità della resa pittorica
sulla base dello stile gotico internazionale.
Però la sua è una prospettiva quasi di fantasia
in quanto poco si cura dell’insieme ma solo dei singoli soggetti ritratti
unendo poi il tutto con estro…
ed ogni volta in modo diverso.
Monumento equestre a Giovanni Acuto
ALTRE SUE OPERE
Come sempre per comprendere un artista
la cosa migliore resta il dare uno sguardo attento
alle sue opere principali.
Natività di Maria
La presentazione di Maria al Tempio
La Battaglia di San Romano,
un trittico su 3 pannelli ed oggi in 3 musei diversi
Rob Gonsalves è stato un pittore canadese della corrente detta “realismo magico”, ma definibile anche come “surrealismo moderno”.
In più questo artista si è distinto sia per la sua grande capacità di creare precise ed originali “prospettive” che per lo stile.
Egli dipingeva quadri singoli ma anche stampe in numero limitato ed illustrazioni per libri.
Molte sue opere sono ancora amatissime e diffusissime nel web e certamente ne riconoscerete alcune.
RobGonsalves (Toronto 10.7.1959 – 14.6.2017)
Fin da piccolo Gonsalves mostrò grande capacità di crear, con ogni mezzo, opere di fantasia.
A dodici anni iniziò ad approfondire lo studio dell’architettura e delle tecniche prospettiche.
Nel contempo nascevano i suoi primi dipinti aventi come oggetto… edifici immaginari.
Dopo la conoscenza delle opere di artisti come Dalí e Tanguy, Gonsalves iniziò a creare i primi dipinti surrealisti.
Ma furono il “Realismo Magico”, il surrealismo di Magritte e le famose illusioni prospettiche di Escher, che ebbero la massima influenza sul suo modo di vedere e di vivere la pittura.
In gioventù Gonsalves lavorò a tempo pieno come architetto, come artista di murales “trompe-l’oeil” e nella creazione di scenografie teatrali.
Dopo il grande succcesso che nel 1990 alla Mostra di Toronto “Outdoor Art”, Gonsalves si dedicò alla pittura a tempo pieno.
Anche se le opere di Gonsalves sono certamente classificabili come surreali, in realtà esse sono sempre frutto di un progetto e di un pensiero consapevole.
Le idee gli venivano dal mondo reale e dalle concrete attività umane ma poi egli vi iniettava magiche emozioni in scenari apparentemente “realistici”.
Con la sua arte egli intendeva esprimere il desiderio degli esseri umani di sognare la realizzazione dell’impossibile.
Le sue opere sono state collezionate da ammiratori di tutto il mondo e egli vinse anche un premio istituito come illustratore di libri per bambini.
Nel suo lavoro era noto per il gran tempo e la gran cura che impiegava nella preparazione delle sue opere per cui ne creava davvero pochissime all’anno.
Tra i tanti video presenti su Youtube ho scelto questo per la qualità delle immagini e perché ci consente di conoscere parecchie altre opere di questo artista contemporaneo di recente scomparso.
Conosciamo Degas soprattutto come mitico pittore di ballerine, di balletti, di fantini, di donne al bagno etc. ma in realtà è stato soprattutto un pittore completo ed un notevole ritrattista.
Questo suo noto dipinto però, come vedremo, ci colpisce per diversi motivi e non solo artistici.
Degas, nato nel 1834 in una famiglia abbastanza ricca da madre creola e padre francese, è stato un noto impressionista indipendente (ma anche pittore realista, neoclassico e scultore).
In questa opera egli ci rivela diversi significativi aspetti del suo modo di concepire l’arte.
L’opera è una finta istantanea che però coglie veri frammenti di vita di un ufficio americano dell’800 e, per molti, è il capolavoro che meglio rappresenta il capitalismo di quell’epoca.
LA STORIA DEL DIPINTO
Nel 1872 Degas, si reca a New Orleans, città d’origine della madre, dove da qualche anno già vivevano due dei suoi fratelli, René ed Achille, oltre ai parenti della madre.
Qui si innamora della città e dell’ambiente del sud degli Usa e vi rimane molto più a lungo del previsto dipingendo ritratti dei suoi familiari… cosa che però alla fine lo stancò perché si comportavano da modelli poco rispettosi del suo lavoro.
Ad un certo punto decise di dipingere l’ufficio, dove lavoravano i familiari, pensando di rivenderlo a qualche industriale del cotone britannico.
I PERSONAGGI DEL DIPINTO
– L’anziano signore con cilindro che saggia la qualità del cotone è lo zio del pittore, Michel Musson, suocero di suo fratello René e titolare del negozio.
– Il giovane semisdraiato sulla sedia che legge il giornale (unico aspetto impressionista del dipinto) è suo fratello René Degas.
– L’uomo con la giacca beige che parla con un cliente è un socio di Musson.
– Vicino al tavolo mentre osserva il cotone c’è William Bell, marito di Mathilde Musson.
– Sulla destra notiamo il ragioniere Livandais alle prese con i conti.
– Sullo sfondo a sinistra, appoggiato alla finestra e che guarda gli altri lavorare c’è infine Achille Degas l’altro suo fratello.
Come possiamo notare gli unici “sfaccendati” appaiono proprio i suoi fratelli.
BREVE ANALISI
Degas, oltre ad immortalare il lavoro di un ufficio del mercato del cotone, riunisce qui parte della sua famiglia con una serie di incisivi ritratti.
Benché il dipinto possa apparire un’istantanea casuale, in realtà nulla è lasciato al caso, a partire dalla composizione.
Gli abiti, quasi tutti neri, fanno sì che i personaggi spicchino in modo evidente e quasi “fuoriescano” dal dipinto.
Esaminandola nel complesso l’opera coinvolge lo spettatore che “sente” il fervore dell’attività del negozio (a parte i fratelli del pittore).
Infine Degas coglie magistralmente ed in pieno lo stile di un’azienda commerciale americana di fine ‘800 che è sì vivace ed attivo ma nel contempo anche senza stress e quasi amichevole.
un vero, bellissimo, inno alla maternità trasferito nel marmo,
che emoziona da secoli.
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ILARIA DEL CARRETTO
LA VITA – L’OPERA D’ARTE – LA POESIA
a cura di Tony Kospan
LA STORIA D’ILARIA
Ilaria ha lasciato questo nostro mondo parecchi secoli fa ed ora le sue ceneri riposano tranquille in un grande sarcofago di marmo posto nella sacrestia del Duomo di San Martino a Lucca… una delle più belle città medievali della Toscana.
Ilaria nacque nel 1379 in una nobile famiglia… il padre, Carlo, era Marchese della Liguria Occidentale.
Gian Galeazzo Visconti signore di Milano per rinforzare l’alleanza contro la Signoria di Firenze propose all’amico Guinigi di risposarsi con la marchesina Ilaria.
Di lei si diceva che era di grandissima bellezza e molto ben educata ed inoltre il matrimonio giovava a stabilizzare i rapporti politici dell’epoca.
Il padre accettò con piacere ed a 24 anni Ilaria lasciò il natio castello per sposarsi a Lucca in modo sfarzosissimo…
Dopo un viaggio di nozze nei vasti possedimenti del marito si stabilirono a Lucca e qui Ilaria alla vigilia di Natale del 1404 diede alla luce il primogenito Ladislao.
L’anno dopo però, nel dicembre 1405, nel dare alla luce Ilaria Minor, morì tra indicibili dolori.
Anche i figli non ebbero vita lunga per tragiche, ma ahimè classiche, vicende degli intrighi dell’epoca… così come lo stesso marito di Ilaria che fu deposto da una rivolta dei notabili di Lucca ed a cui non solo fu tolto tutto ma furono anche distrutti tutti i suoi beni e perfino le tombe di famiglia…
Ma… ma i rivoltosi si fermarono, per fortuna, dinanzi alla sacralità ed alla bellezza del sarcofago contenente le spoglie di Ilaria… che però vennero disperse.
Benché gli storici dell’arte siano divisi su quest’opera in ogni caso questo monumento funebre, davvero unico per magnificenza e bellezza, è lì a testimoniare e ricordare in modo sublime il senso della caducità della vita ed il silenzio eterno della morte… ma anche il grande amore che doveva albergare in chi volle commissionare un simile gioiello marmoreo.
Ed infatti è impossibile non emozionarsi… non commuoversi…
nell’osservar quest’opera
che da secoli è universalmente ammirata (ed amata).
L’OPERA D’ARTE
Sopra il sarcofago c’è la statua con la sua immagine, che pur nella tranquillità del sonno perenne, esprime sia una dolce sofferenza di madre che non ha potuto veder crescere la propria creatura ma anche tanta serenità per averle donato la vita in cambio della sua.
L’opera marmorea affascina non solo per la bellezza del viso o per l’armonia del corpo modellato dal vestito, ma anche e soprattutto per quella nobiltà d’animo e quel profondo senso di maternità che emana in un modo che colpisce ed emoziona.
Il sarcofago (particolare)
Jacopo della Quercia, autore di quest’opera commissionata dal marito, è stato veramente grande non solo nel ricostruire l’aspetto fisico, ma soprattutto nel dare a questo freddo marmo un’anima.
Narra Sgarbi che Ilaria è stata la prima donna che ha amato… ma non so proprio se lei poi avrebbe contraccambiato.
Ai piedi del sarcofago c’è un cane e penso che sia stato posto lì perché simbolo della fedeltà.
Il cane – dal sito… Stilearte.it
LA POESIA
Anche Pasolini dedicò dei versi
(come aveva già fatto D’Annunzio)
a quella che per la sua storia e la sua bellezza
è considerata la…
“Sposa d’Italia”.
Eccoli
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Dentro nel claustrale transetto
Come dentro un acquario, son di marmo
Rassegnato le palpebre, il petto
dove giunge le mani in una calma
lontananza. Lì c’è l’aurora
e la sera italiana, la sua grama
nascita, la sua morte incolore.
Sonno, i secoli vuoti: nessuno
Scalpello potrà scalzare la mole
tenue di queste palpebre.
Jacopo con Ilaria scolpì l’Italia
perduta nella morte, quando
la sua età fu più pura e necessaria
L’OPERA IN VIDEO
Possiamo infine ammirare quest’opera eccezionale
insieme alla Cattedrale di San Martino a Lucca,
in modo ancor più approfondito grazie a questo video.
FINE
FONTI VARI SITI WEB – COORDIN. E IMPAGINAZIONE TONY KOSPAN
spremetela dalla natura sognando di fronte ad essa
e preoccupatevi più della creazione che del risultato.
Paul Gauguin
PAUL GAUGUIN
INDIPENDENZA SOGNO
E RICERCA DELLA PUREZZA “PRIMITIVA”
II PARTE
Visione dopo il sermone – 1888
LE OPERE POLINESIANE
LE SCULTURE E LA CONCLUSIONE
Autoritratto
Tra le opere eseguite in Polinesia, come “Fatata te mouà” o “Ai piedi della montagna” del 1892, tutto il mistero si concentra nella corsa sfrenata di un cavaliere sulla sinistra del quadro e la minaccia che incombe con le nuvole sullo sfondo.
Fatata te mouà o ai piedi della montagna
Le opere polinesiane di Gauguin sembrano intrattenere un rapporto con la composizione dell’arte occidentale.
Gauguin – La donna dei manghi – 1896
Ricordiamo poi la “Conversazione“ del 1892
Conversazione
Tra le opere che incantano ecco anche il “Povero pescatore” del 1896.
Il povero pescatore
Quest’ultimo dipinto propone uno straordinario momento di riflessione presupponendo la silenziosa contemplazione di un’età dell’oro ritrovata.
Parau api – 1892
L’interesse di Paul Gauguin per la cultura polinesiana si delinea attraverso la sua immensa produzione pittorica, grafica e scultorea nella quale ha affrontato temi del quotidiano, rituali religiosi, la bellezza e il costume locale.
Testa con le corna
Tra le sculture segnaliamo la dolcissima “Maschera di Tehamana“ e la “Testa con le corna“ del 1897 che sorprende per la sua incredibile modernità.
Le sculture di Gauguin preannunciano l’africanismo del primo Novecento che portò agli sviluppi del cubismo.
Notte di Natale
Le opere polinesiane, dipinti e sculture, esprimono la sua visione di questa terra nuova e selvaggia e lo portano, pur nella stilizzazione delle figure, a d esaltare i soggetti rappresentati come i veri protagonisti di una terra “di mito e di sogno“.
Autoritratto
La stessa agognata terra dove Gauguin troverà però una solitaria morte, debilitato nel corpo e fiaccato nello spirito.
Infine ecco un bel video che ci parla di lui e delle sue opere soprattutto del periodo tahitiano…
Termino questo post su Gauguin, autore fortemente ed intimamente combattuto, celebrandone la grandissima arte e l’indubbio e riconosciuto amore per la libertà di espressione, l’esotismo ed il sogno.
Ararea no varua
FONTI: VARI SITI WEB…
– RICERCHE, LIBERO ADATTAMENTO, COORDINAM. ED IMPAGINAZ. T.K. –
RT @Orsosognante: Piccola storia di un gruppo musicale, davvero unico nel suo genere e tutto italiano, che ci ha accompagnati
dagli anni 40… 4 hours ago
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IL MONDO DI ORSOSOGNANTE 
