Michelangelo Merisi da Caravaggio noto col solo nome Caravaggio.
Lo faremo soprattutto guardando i suoi dipinti
ed analizzando la sua mitica arte…
(Milano, 29 settembre 1571 – Porto Ercole, 18 luglio 1610) – Autoritratto
E' uno dei più celebri pittori italiani di tutti i tempi
nonostante sia morto molto giovane.
La sua formazione avvenne tra Milano e Venezia.
Il baro
La maggior parte delle sue opere
furono create a Roma, Napoli, Malta e in Sicilia.
Il suo stile pittorico,
lontano dalle mode accademiche del tempo,
ebbe poi grande influenza sulla pittura barocca.
Bacco
I suoi dipinti con un potente uso della luce
e con l'innovativa idea di dipinger il… vero
analizzano la condizione umana sia da un punto di vista fisico che emozionale.
Per questo,
ma anche per la sua capacità di vedere le cose
con la massima indipendenza e libertà di pensiero,
la sua arte appare come rivoluzionaria… per l'epoca.
Concerto di giovani
Asse centrale della sua ispirazione artistica
è per lui la necessità di dare un senso all'esistenza.
Al contrario dei pittori della sua epoca egli non cerca di portar l'uomo ad esaltare il divino bensì tende a cercare il divino nella complessità della realtà umana.
Il suonatore di liuto
Di questo aspetto parleremo in modo più approfondito
dopo aver visto e descritto il Cristo velato e la Pudicizia densa anch'essa di tanti aspetti simbolici.
Per il fascino che emana e le emozioni che dona,
fa parte, insieme alle altre 2 suindicate,
della triade delle opere più belle della Cappella
che di recente è stata dichiarata
al primo posto della classifica dei musei italiani
preferiti dai viaggiatori di tutto il mondo.
Il disinganno è considerato il capolavoro di Francesco Queirolo artista genovese, allievo del Corradini, che fu anche l'autore del bozzetto preparatorio.
Anche stavolta ne approfondiremo i 4 aspetti familiari, artistici, religiosi ed esoterici seguendo le diverse opinioni dei tanti studiosi che si sono impegnati nel cercar di comprendere il vero significato dell'opera.
DESCRIZIONE ED ASPETTO FAMILIARE
L'opera ha quale scopo dichiarato ridar lustro al padre del Principe per mondarlo dalla sua pessima fama.
Mostra un uomo (il padre di Raimondo) nell'atto di liberarsi da una pesante rete da cui è avvolto.
In questo è aiutato da un genietto (o putto) alato con in testa una coroncina, con fiamma sulla fronte, e che tiene un piede su di un globo al quale è poi appoggiato un libro.
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Il bassorilievo su cui è posata la scultura rappresenta la parabola di Gesù che ridà la vista ad un cieco con la scritta “Qui non vident videant” . (Coloro che non vedono… vedano)
Il Principe con questa opera vuol esaltare la grande forza morale del padre che era sì stato un grandissimo peccatore, “Asservito alle giovanili brame” così è scritto sulla lapide, ma che poi alla fine era riuscito a comprender gli errori commessi ed a pentirsi rinunciando alle ricchezze ed al titolo nobiliare (proprio a favore di Raimondo) ritirandosi in convento e così liberandosi dalle tenebre del male. (V. la sua biografia nella I parte)
VISIONE ARTISTICA
La scultura mostra una evidente forza intrinseca che si apre in un movimento potente che coinvolge chi l'osserva.
Ma la cosa che maggiormente colpisce, e colpì fin dal '700, lasciando a bocca aperta tutti coloro che l'osservano è l'incredibile rete che morbidamente avvolge l'uomo.
Questo della rete è indubitabilmente un caso senza precedenti nella storia della scultura… e frutto di una lavorazione davvero geniale.
Essa infatti è il risultato di un grande virtuosismo tecnico, quello di trasformare il marmo in una plastica rete, così preciso da esser da alcuni paragonato a quello degli orafi.
Si racconta anche che gli artigiani collaboratori dell'artista non se la sentirono di aiutar il Queirolo, per paura di romperla, per cui lo scultore dovette far tutto da solo.
INTERPRETAZIONE RELIGIOSA
L'opera simboleggia il grande sforzo necessario per la liberazione dal peccato e dall'illusione di dominio per giungere infine a ritrovare la vera fede.
Anche il passo biblico scritto sul libro e la parabola scolpita sul basamento (Gesù che dona la vista al cieco) confermano questa tesi.
Inoltre l'opera può aver una ulteriore lettura religiosa in quanto può anche rappresentare il pentimento dello stesso Principe per le sue attività esoteriche.
Pentimento che egli stesso dichiarò con suppliche alle autorità religiose (che lo consideravano eretico e massonico) con le quali affermava con forza la sincerità del suo pentimento.
INTERPRETAZIONE ESOTERICA
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La lotta tra luce e tenebre è l'immediato e chiaro messaggio che ci giunge da una semplice osservazione dell'opera fortemente ideata e voluta dal Principe in tutti i suoi particolari al punto che per alcuni non il padre… ma proprio lui… potrebbe esserne il vero soggetto rappresentato.
Infatti fu totale il suo controllo sia sulla realizzazione dell'opera
che sul Queirolo al punto che nel contratto si legge
“a tutto piacimento, genio e gusto d'esso Signor Principe, di non poter lavorare per nessun'altra persona, e collo stretto ligame di non potersi licenziare”
che dimostra quanta poca libertà d'azione avesse l'artista.
E' noto a tutti anche che l'iniziazione massonica avviene con la bendatura dell'adepto per poi esserne liberato per poter finalmente conoscere la Luce della Verità della Loggia.
La fiamma sulla fronte del putto alato è poi notoriamente un simbolo dell'Illuminismo mentre il libro aperto è un chiaro accenno alle grandi luci esoteriche che, consentendo di vedere oltre l'apparente ed ingannatrice realtà, portano all'uso della razionalità ed a vivere secondo virtù.
Come abbiamo letto nella biografia tra lui e le Autorità della Chiesa vi furono non pochi e non semplici conflitti per salvarsi dai quali
egli denunciò al RE Carlo III(suo amico) tutti i Liberi Muratori
delle Logge del Regno.
Il Re emise (a malincuore) l'editto che cancellava tutte le Logge
ma questo, a parte un rimprovero, non causò alcun reale problema
e le Logge continuarono tranquillamente come prima.
Gli storici ritengono che si sia trattato di una abiura strategica…
servita per metter a tacere i nemici, soprattutto Gesuiti,
che il Principe aveva all'interno della Chiesa,
e così salvare sé ed i “Fratelli”.
Infine l'impatto visivo è così forte da farci “sentire” che qualcosa di misterioso e segreto aleggia in essa.
UNA PERSONALE OPINIONE
Come ho accennato parlando delle altre opere, anche qui i vari concetti e simboli impressi nella scultura… si affiancano, si sovrappongono, si fondono in una sintesi sia tra aspetti simili ma anche tra opposti con un risultato alla fine davvero mirabile.
La complessità degli elementi costitutivi dell'opera non è infatti diversa da quella della personalità del Principe.
Egli era nel contempo massone e devoto a San Gennaro, scienziato ma amante dell'arte, alchimista e generale dell'esercito, bigotto ed eretico, nobile ma anche incline a contrar debiti, colto ma anche superstizioso etc etc…
Per questi motivi attribuir all'opera un unico significato mi appare fatica improba se non del tutto inutile e senza senso in quanto appaiono presenti, in modo più o meno evidente, tutti i simboli allegorici su elencati.
Continua
Tony Kospan
Chi volesse legger la I parte
– Presentazione e biografia del Principe di Sansevero –
E' la statua in bronzo di un uomo d'affari con valigetta e contesta incastrata nel muro che si trova a LosAngeles – California.
L'uomo d'affarisi trovasul marciapiedee si piegain avantisconsolato con la testa andata da qualche parte nel muro di granitodiErnstand Young, network mondiale di servizi professionali di revisione e organizzazione contabile, fiscalità etc. in un punto molto popolareper gli abitanti e molto fotografato.
Dopo una non facile ricerca finalmente sono riuscito a ricostruire la storia di questa particolarissima scultura che ha la sua genesi nel clima politico ed economico degli anni 80.
L'artista è Terry Allen ma la scultura nasce dalla collaborazione con il poeta Phillip Levine.
Essi volevano rappresentare l'eccesso di pressioni (e le conseguenti ricadute sulla vita dei cittadini) a cui erano sottoposti i dirigenti ed i dipendenti delle grandi istituzioni finanziarie e bancarie (Col senno di poi possiamo dire che avevano visto molto bene).
Ecco la poesia che ha ispirato questa creazione.
Hanno detto che avevo una testa per gli affari. Hanno detto di andare sempre avanti
ma ci ho rimesso la testa. Hanno detto sii concreto
e sono diventato calcestruzzo. Hanno detto, vai, figlio mio,
moltiplicare, dividere, conquistare. Ho fatto del mio meglio. Philip Levine
Rembrandt è considerato una dei più grandi pittori di sempre
e dalla maggior parte dei critici il più grande del '600 olandese
definito “L'età d'oro della pittura” dei Paesi Bassi.
La sua arte fu ben presto riconosciuta dai suoi contemporanei
ed ebbe grandi successi soprattutto grazie ai suoi mitici… ritratti
ma non tralasciò temi biblici e paesaggistici.
La ronda di notte
Dopo una vita vissuta negli agi
i suoi ultimi anni furono invece vissuti in miseria
per aver scialacquato le ricchezze accumulate
grazie alla vendita delle sue opere.
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Ritratto di Saskia Riant
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SINTETICA ANALISI DI 2 DIPINTI
a cura di Francesco Morante
Rembrandt – Il ponte di pietra – 1638 – Rijksmuseum – Amsterdam
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Questo quadro è uno dei pochi paesaggi della produzione di Rembrandt.
E' da notare la grande abilità dell’artista nel cogliere soprattutto gli effetti atmosferici, caricando l’immagine anche di una valenza sentimentale che sembra quasi anticipare la pittura romantica del XIX secolo.
Se confrontiamo questo paesaggio con uno di Poussin, si comprende facilmente come Rembrandt si ponga su un piano molto diverso.
Nel pittore francese l’immagine è organizzata con l’intento di permettere allo sguardo di cogliere più elementi che compongono un insieme di grande spettacolarità.
L’immagine tuttavia colpisce soprattutto l’intelletto di chi guarda.
Il paesaggio di Rembrandt è invece diretto alla nostra sensibilità, per farci sentire quella particolare sensazione di trovarsi in un luogo anonimo ma carico di luce, aria, umidità, odori, e così via.
Rembrandt – Hendrickje che si bagna in un fiume -1654 – National Gallery – Londra
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In quest'altro straordinario dipinto, Rembrandt raffigura la moglie Hendrickje che si sta bagnando in un fiume.
Il quadro è straordinario per molti aspetti, innanzitutto per un realismo che concede poco a quel decoro bozzettistico molto apprezzato dal pubblico del tempo.
Questa fu infatti una delle cause del venir meno del successo di Rembrandt negli anni successivi, incompreso nella sua eccezionale arte troppo moderna per quei tempi.
Ma straordinaria è anche la tecnica: Rembrandt era un eccezionale disegnatore, e questa sua propensione lo portava a capire l’essenziale dell’immagine e riempire il resto solo con contrasti luminosi. Anche qui procede in questa maniera.
La figura della donna è soprattutto disegnata, scarna com’è di colori ed effetti cromatici.
Intorno, invece, per poter meglio evidenziare la figura, lo sfondo è così scuro che si fa quasi fatica ad immaginare che siamo all’aria aperta.
In pratica l’angolo visivo è molto ristretto, così che si intravede un angolo protetto dall’ombra di alberi che giungono fino alla riva del fiume, mentre su una roccia si vede la veste che la donna si è tolta, per restare solo in camicia.
Straordinaria, infine, è anche la resa veristica dell’acqua e dei riflessi che crea, con una perfezione che solo Rembrandt poteva ottenere.
Questa seconda opera mi appare
davvero incredibile ed affascinante per il suo realismo…
all'epoca assolutamente impensabile… (N.T.K.)
La lezione di anatomia
Terminiamo con un video
che associa anch'esso opere di Rembrandt a Vivaldi…
Una bella musica di Vivaldi e dipinti di Rembrandt (video)
Rembrandt – Gli sposi ebrei
F I N E
Testo Francesco Morante (dal web) – Impaginaz. e note T.K.
Pur se coperta da un'ampia mole di simboli ed allegorie di tipo ermetico tuttavia la mitica opera del '500 tedesco, che andremo ad esaminare, non nasconde quello che è il significato, anche moderno, della malinconia come stato d'animo leggermente triste ma insieme meditativo… (se non troppo prolungato nel tempo).
Albrecht Dürer
(Norimberga 21 maggio 1471 – Norimberga 6 aprile 1528) è stato un pittore, incisore e matematico tedesco.
Dürer, di origine ungherese, è considerato
il massimo esponente del rinascimento… tedesco.
A seguito di contatti con ambienti neoplatonici veneziani s'avvicinò alle conoscenze esoteriche ed ermetiche….
di cui la sua MELENCOLIA è la massima espressione artistica…
LA MELENCOLIA DI DURER
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Albrecht Dürer Melencolia I incisione a bulino, 1514
La materia al nero degli alchimisti è chiamata anche “primo segno” dell’opus poichè senza annerimento non ci sarà bianchezza. A.J.Pernety, Dictionnaire Mytho-Hermétique, 1758
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Melencolia I, detta anche Melancholia I (1514), è parte di un trittico di incisioni di Albrecht Dürer che comprende le allegorie di tre classi di virtù e tre sfere di attività secondo una classificazione ancora medioevale.
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Il Cavaliere (II)
La seconda opera del trittico, “Il Cavaliere, la morte e il diavolo” rappresenta la sfera morale e la terza “S. Girolamo nella cella” quella della teologia e della meditazione.
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San Girolamo nello studio (III)
ESAMINIAMO I SIMBOLI PRESENTI NELL'OPERA
Melencolia I simboleggiava invece la sfera intellettuale dominata dal pianeta Saturno, secondo la tradizione astrologica legato al sentimento della melanconia, a istituire una connessione fra il mondo razionale delle scienze e quello immaginativo dell’arte.
Nello sfondo, incorniciata da un arcobaleno “lunare”, brilla una cometa, inquietante simbolo notturno capace di suscitare sentimenti melanconici. Le chiavi rappresentano la conoscenza che sola può liberare l’uomo dallo stato melancolico della sua ricerca, e infatti in fondo portato da un pipistrello vi è una luce che rischiara le tenebre.
Tutta l’opera è disseminata dei simboli della cono-scienza alchemica.
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Il personaggio principale della scena è la figura femminile dell’angelo che, seduta su un gradino, con la mano sinistra sorregge il capo mentre nella destra stringe un compasso, strumento indispensabile nella misurazione non solo delle cose e degli spazi terreni, ma anche della distanza tra finito e infinito.
Il volto è in ombra ed emerge, per contrasto, lo sguardo fisso in avanti e perso nel vuoto.
Il lungo abito non lascia intravedere alcuna forma anatomica ed è modellato con una serie di pieghe dal sapore baroccheggiante.
Dal fianco pende un mazzo di chiavi, mezzo e strumento per aprire le porte dell’ignoto ed avere accesso alla conoscenza.
La figura allegorica dell’angelo è simbolo dell’impotenza creativa del genio (quasi certamente lo stesso autore) dominato e, forse, momentaneamente domato dall’umore nero, dall’umore malinconico.
Il titolo dell’opera di Dürer è stampato su un cartello sorretto da un pipistrello da sempre simbolo della morte.
Malinconia, dunque, come morte della creatività, come momento di blocco creativo.
Un arcobaleno dai tratti netti e precisi incornicia un arco di cielo attraversato da una cometa dal nucleo brillante che si orienta da nord–ovest a sud–est e farebbe pensare alla cometa apparsa nei cieli dell’occidente negli anni 1513 – 1514.
Più che a un dato negativo e in correlazione con la bilancia (fine dei tempi), con la clessidra e con la meridiana quali simboli precipitosi degli avvenimenti di un ciclo che finisce, l’arcobaleno è un elemento positivo che, di contro alla negatività del pipistrello, rappresenta la speranza di superare l’attuale stato di abbattimento e dell’impossibilità creativa.
Arcobaleno e stella cometa illuminano un tratto di mare, forse l’Adriatico, e le terre in lontananza, quelle veneziane, da sempre più libere alle sperimentazioni scientifiche e alle meditazioni filosofiche in un rapporto più diretto con il mondo orientale.
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Sulla parete dell’edificio, in alto a destra e quasi sfiorato dall’ala sinistra dell’angelo, è scolpito il quadrato magico numerico di quarto ordine, ossia simmetrico, la cui somma dei numeri opposti all’angolo dà 17 (16 +1; 13 +4; 10 + 7; 11 + 6).
Nella credenza rinascimentale si riteneva che combattesse la malinconia di origine saturnina e fu collegato dagli astrologi con Giove.
L’ultima fila di numeri del quadrato può essere letta come la data di realizzazione dell’opera, 1514, ed i numeri 1 e 4 corrispondenti alle iniziali del nome e cognome dell’artista A(lbrecht) D(ürer) oppure sinonimi di A(nno) D(omini).
La sfera e il tetraedro troncato suggeriscono la base matematica dell’arte del costruire, mentre strumenti di carpenteria giacciono inutilizzati al suolo.
Secondo studi recenti il quadrato numerico è strettamente collegato al poliedro che in un disegno preparatorio poggiava su di una grande lastra quadrangolare la cui forma è interamente dedotta dal quadrato magico.
Alle pareti dell’edificio, quasi in posizione speculare, sono appesi una bilancia ed una clessidra;
il primo non solo simbolo di giustizia, ma anche strumento presente in tutte le botteghe degli alchimisti,
l’altro porta con sé varie simbologie: dal lento ed inesorabile fluire del tempo fino alla vanità delle cose terrene.
Il tempo che passa e, quindi, la clessidra, può essere la metafora di una vita regolata che tende a Dio,
al mondo sovrannaturale ed è anche quanto viene suggerito dalla scala che non è solo uno strumento
che serve per innalzare edifici, ma diventa simbolo dell’ascesa dal mondo delle apparenze al mondo
della conoscenza in perfetta simbiosi sia con il credo cristiano che con la filosofia neoplatonica.
Tutto è immobile, un momento di sospensione suprema e un’atmosfera di silenzio, è sottolineato dal levriero accucciato ai piedi dell’angelo quale servitore fedele e quasi sopraffatto dal masso alle sue spalle geometricamente modellato che sembra delimitare uno spazio protetto in cui potersi accucciare e non ribellarsi a niente e nessuno, neanche a quella fame che lo ha ormai ridotto ad una forma scheletrica al limite di una naturale sopravvivenza.
Tutta l'opera, che è conservata al Metropolitan Museum di New York, è composta con i soli colori bianchi e neri con diverse sfumature e tonalità…
“Io Albrecht Dürer di Norimberga, all’età di 28 anni,
con colori eterni ho creato me stesso a mia immagine”
una porta chiusa: la tristezza non può uscire e l’allegria non può entrare. Luis Sepúlveda
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